Hablamos con Jorge Mackenzie guitarrista, compositor y manager de Neurosis.

Diego Londoño:. Jorge, ¿En qué va Neurosis en este momento?

Jorge Mackenzie:. Hemos estado tocando en varias ciudades del país, estamos también terminando la mezcla de un disco en vivo que se llamará “Live Thrash Attack” que fue un concierto que grabamos en Bogotá y esperamos que este saliendo en unos dos meses, este, está cargado con 17 temas de toda la discográfica de la banda. Seguimos trabajando en composiciones nuevas, para un trabajo que esperamos que salga el próximo año…así que Neurosis como siempre está en la lucha…

DL:. ¿Cómo ves la escena metal no sólo de Bogotá y Medellín, sino de las demás ciudades?

JM:. Las veo muy bien, son escenas que han crecido mucho. Cali por ejemplo es una excelente plaza, hemos estado 14 veces tocando allá, es un público muy bacano, exigente con sus bandas. Bucaramanga es una escena que ha crecido muchísimo también, está teniendo bandas de gran calidad. Y bueno a todas las ciudades que vamos, tenemos la oportunidad de compartir con las bandas y vemos la gran evolución que ha tenido el metal colombiano durante 15 o 20 años, que bueno ver los frutos de todo ese esfuerzo reflejados ahora en calidad y actitud de las bandas de Colombia.

DL:. ¿Qué crees que le hace falta a la escena metal de Colombia?

JM:. Le hace falta que por parte del público haya más valoración hacia el artista colombiano, se me hace a mí, que de pronto en Colombia cuando vienen todas estas bandas internacionales, la gente se está acostumbrando a sólo ir a ver a esas bandas y a ver de pronto quien les telonea, entonces, la gente se gasta el dinero en esas bandas y dejan por ejemplo de comprar los discos de las bandas nacionales. Quiero aprovechar esta oportunidad para darle un mensaje a todo el público para que amen lo colombiano, lo nacional, que apoyen sus bandas y no un apoyo de palabra, ni una palmadita en la espalda, es comprando los trabajos discográficos, asistiendo a los conciertos y comprando el material; ese es el verdadero apoyo para una banda, porque el público muchas veces no entiende lo que tener una banda significa, los gastos que trae sacar un disco, publicarlo, unas cuerdas, un instrumento, los ensayos, de pronto eso es lo que se me hace a mí que hace falta cambiar acá, que el público apoye más el metal colombiano.

DL:. ¿Cómo ves el surgimiento de esta nueva ola del metal que adopta sonidos de otras influencias?, porque si bien esto se está dando en nuestro país con varios exponentes, también hay un radicalismo de parte de otros, ¿qué pensás acerca de esto?

JM:. Las bandas deben intentar obtener una identidad propia, es decir, un músico debe tocar lo que le gusta, lo que le manda el corazón, no lo que tiene que estar permanentemente escuchando o lo que otra persona del exterior dice que es bueno. Me parece que los músicos necesitan creer en lo que hacen porque si uno lo hace de una manera honesta todo siempre va a salir bien. Los músicos necesitamos tener más convicción en lo que hacemos y les recomiendo que perseveren, que crean en su trabajo y tengan fe, ese ha sido siempre el mensaje de Neurosis, o por lo menos el mío…es un mensaje de batalla…

DL:. ¿Qué pensás de iniciativas como el Metalmedallo, que buscan unir proyectos que normalmente trabajan independientemente en un festival como este?

JM:. Es una idea excelente, así se forjan las escenas de verdad. Unir a las bandas, tener la oportunidad de dialogar con otros músicos, mirar proyectos que de pronto uno pueda hacer en conjunto, mirar el material discográfico que todo el mundo tiene a la venta, compartir ideas. Porque no solamente es tomar cerveza y tocar, es mirar haber que más podemos hacer por el metal de Colombia, eso es lo que hace una escena. Metalmedallo ha tenido la iniciativa de apoyar a las bandas nuevas de Medellín con un buen sonido, buena asistencia, buen lugar para que puedan demostrar su trabajo, entonces las bandas tiene que unirse para aprovechar esta gran oportunidad que brinda el Metalmedallo.

DL:. ¿Cuál es la expectativa que tiene Neurosis con la escena metal de Medellín y el concierto que van a brindar acá en el Teatro Porfirio Barba Jacob, lugar donde se lleva a cabo el festival Metalmedallo?

JM:. Para nosotros es una gran responsabilidad estar tocando hoy acá en el Metalmedallo y ser la primera banda nacional invitada, porque Medellín es la cuna del metal en Colombia y yo sigo respetando eso, el género se ha ido diversificando pero se sabe que es en los 80’s de donde vino todo esto, del gran aporte que hicieron las bandas de Medellín y que aún le están haciendo al metal de Colombia. Eso me produce un gran respeto, entonces al venir acá como banda invitada, es una gran responsabilidad de tocar ante gente que si sabe de música. Tuve la oportunidad de escuchar música en un bar de rock de Medellín y escuché canciones que hace años no escuchaba, porque en Bogotá cuando salgo a un bar siempre ponen los “14 cañonazos” y punto…acá había un discjockey, que sabía lo que estaba colocando, eso me agrado mucho y me dije: con razón, esto es Medellín. Entonces esperamos darle lo mejor al público de hoy, tanto a la “gente vieja” y a las nuevas generaciones, porque nosotros como músicos tenemos que dejar un legado.

Todas estas expectativas se cumplieron a final de concierto tanto para Neurosis, como para las demás bandas que se unieron entorno al metal, las que respetaron sus diferencias y pasaron del público a la tarima, para seguir gritando a todo pulmón que el ataque del thrash metal vive y mas aún en medallo.

El festival en las 11 ediciones que enmarcan su trayectoria, ha contado con bandas representativas en su cartel como: 6 voltios, Turbopótamos, Contracorriente, Narcosis, Leusemia, Diazepunk, Aeropajitas, Inyectores, Tragokorto, Rezaka, Serial Asesino, Tiempo Fuera, Difonía, Héroe Inocente, 40 gramos, Dasher, calibre 38 entre otras.. Es un festival independiente que se creó para unir la escena del rock peruano y darla a conocer por el resto de Latinoamérica.

Hablamos con Julio Vásquez su productor, para conocer más de cerca este festival y la escena del rock peruano.

Diego Londoño:. Julio, danos una breve contextualización sobre la escena del rock peruano, porque tenemos un referente claro y es que rock peruano casi no llega a nuestro país. Cuéntanos un poco, ¿cómo está la escena del rock peruano?

Julio Vásquez:. Bueno, primero un saludo a toda la escena de Medellín y Colombia, estoy bien contento de estar en una ciudad donde realmente me han recibido como rey. La escena ha crecido bastante en Perú, lo que queremos es llegar a otros países y se nos abrió la puerta cuando llevamos a Lima a la banda de Medellín Calibre 38, que fue una grata sorpresa para todos los peruanos.

Nuestro festival, es todavía muy pequeño en comparación con los que se realizan acá en Medellín, es un festival de 5000 personas, que cuenta con 11 ediciones y se han presentado las mejores bandas de Perú. Trabajamos con todo lo que es la escena independiente y la hemos hecho crecer. Actualmente tenemos una escena aproximadamente de 20000 personas de lo que es el rock totalmente independiente.

DL:. ¿Cuáles son las bandas más representativas del rock peruano?

JV:. Bueno, tenemos a Narcosis, Leuzemia, son gente que ha caminado conmigo y estamos muy contentos porque ha pasado el tiempo y nos hemos dado cuenta que lo que construimos hace algunos años es una base y eso nos alegra bastante porque se ha multiplicado. Ahora es tan fácil poder llegar a otros lugares con nuestra música, por ejemplo a Colombia llegamos sin necesidad de pasaporte porque nosotros somos hermanos.

DL:. ¿Qué se conoce en Perú del rock colombiano?

JV:. Del rock colombiano a llegado realmente siempre lo más comercial, como Aterciopelados. Pero últimamente con la llegada de Calibre 38 nos ha llegado música de THC, Grito, Mojiganga, Tres de Corazón. He tenido visitas de muchos amigos colombianos y yo estoy acá para empezar a intercambiar un poco, la gran experiencia de nuestro amigo Santiago Arango, he tenido la invitación de Alejandro Hernández por el Festival Banda Ancha y como te digo, contentísimo de esta escena porque realmente creo que es el inicio de una gran amistad.

Hemos venido también con Charly de Diazepam y mi socio y manager de varias bandas y estamos haciendo toda una serie de contactos, no hemos perdido ningún día y todos han sido tan buenos anfitriones, que realmente es muy satisfactorio estar acá y pensar aún en volver en muchas más oportunidades.

DL:. Julio para terminar, ustedes que son la producción del festival Rock en el Parque de Perú, ¿qué banda les ha interesado de acá de Colombia para llevar para la próxima edición?

JV:. Bueno estamos realmente todavía con una baraja tan grande, pero inicialmente nosotros empezamos conversaciones con la gente de Tres de Corazón, Mojiganga, pero de pronto la escena comienza a no ser tan pequeña sino a ser bastante grande y con muchos amigos y realmente va a ser difícil, pero de todas maneras, una banda colombiana va a estar en nuestro próximo festival, eso ténganlo por seguro.

Difonía es una banda que se consolidó a finales del año 2003 por Nachi Benza y Charlie Parra, quienes además de ser fundadores son los integrantes que se han mantenido desde la formación inicial. El grupo nació con la intención de fusionar el punk de los 90’s y el heavy y thrash metal de los 80’s, esto debido a las diferencias musicales y de influencia de sus integrantes.

En el año 2003, Difonía lanza su primer producto musical a manera de demo llamado “Camino Difícil”, al que le siguió muy profesionalmente su primer trabajo musical llamado “Tarde o Temprano” un disco que tuvo mucha acogida entre el público peruano y que inicialmente se ve cargado de baterías punkeras, guitarras metaleras, bajos con riffs planos y rápidos y todo esto acompañado de la voz enérgica y estridente de Ricardo.

El grupo peruano también incursiona en la producción audiovisual con la canción “Tu igual, yo igual22”, perteneciente a su primer placa discográfica. La banda ha tocado en cientos de conciertos en todo Perú, sobre todo en la ciudad de Lima, en este mes de marzo la banda estuvo presentándose en Medellín, Colombia, en la cuarta edición del Festival Banda Ancha; evento que desaparece del circuito de festivales musicales de la ciudad según sus organizadores.

En su visita a Medellín, pudimos conversar un poco con ellos

Diego Londoño:. ¿Cómo se sintieron en escena en tierras colombianas?

Ricardo:. Muy bien, la verdad nos sorprendimos por la acogida del público; nos sentimos como en casa pues el público saltó, pogeó, cantó, así que nada… felices y muy contentos.

Charlie:. Las expectativas que teníamos eran un poco confusas, y después de salir de tocar estábamos muy felices, no esperábamos tanta acogida de la gente. Esperamos volver a Colombia porque la pasamos muy bien.

DL:. ¿Cómo es el trabajo independiente y de autogestión de Difonía?

CH:. Ahorita Difonía tiene un disco de 11 temas que ha sido lanzado hace dos años, actualmente estamos trabajando en el segundo disco y estamos tocando mucho en Perú promocionándonos y estamos en una etapa de composición, luego de este concierto vamos a dar un par de conciertos más en Perú y vamos a seguir trabajando para sacar el segundo disco a fines de este año.

DL:.Cuéntenos un poco del género de Difonía, porque n el concierto ofrecido para todos los paisas, se apreció mucha influencia del metal y del punk con voces estridentes, baterías punkeras, guitarras con solos muy metaleros. ¿Cuál es el género al que le apunta Difonía o de qué se ven influenciados musicalmente?

CH:. La cosa es que el baterista Nachi y yo somos amigos del colegio y siempre hubo una enemistad entre los punks y los que escuchaban heavy metal, entonces éramos recontra enemigos y cuando terminó el colegio, nos juntamos a tocar canciones y nunca pudimos tocar covers juntos porque el no sabia nada de heavy metal y yo no sabia nada de punk. Entonces decidimos componer material desde ahí, entonces se puede decir que fusionamos el Thrash metal de los 80’s, el heavy metal y el punk de los 90’s, entonces es una onda bastante californiana por así decirlo.

DL:. ¿Qué sigue para Difonía y cuáles son los proyectos siguientes de la banda?

RIC:. Bueno esperamos seguir difundiendo todo nuestro trabajo musical por toda Latinoamérica ya que esa es la meta. Estamos componiendo un nuevo disco y hemos hecho un videoclip de una de nuestras canciones “Tu igual, yo igual” y lo estamos difundiendo por youtube, esperamos llegar a MTV. Y nada… tratando de sacar nuestro material afuera y que de verdad se conozca lo que se hace en Perú, porque la verdad no mucha gente afuera nos conoce como escena peruana y queremos dejar bien en alto el nombre del Perú por eso mismo.

Por Diego Londoño

Influenciado en principio por el “mestizaje” barcelonés, este proyecto irrumpe en la escena catalana con un espectáculo audiovisual de corte historicista, en donde se fusiona la estética porteña de principios del siglo pasado, el tango, el barrio, la inmigración, Gardel, la milonga, las orquestas típicas, con una gran variedad de estilos relacionados con la electrónica.

Señalada como la primera banda arqueológico-electrónica de tango; Otros Aires mezcla sonidos de principios del siglo XX (Gardel, Razzano, D`arienzo, etc.), con música electrónica y otros sonidos contemporáneos, lo que permite ubicarla dentro del género Tango Electrónico. Desde sus orígenes surgió como un espectáculo eminentemente audiovisual.

Ya en Buenos Aires, Otros Aires adquiere su color definitivo con las incorporaciones del bandoneonísta Omar Massa, del baterista Emmanuel Mayol y del tecladista Diego Ramos (formación actual), consolidando un sonido propio dentro del género conocido como Tango Electrónico.

Otros Aires, cuenta con tres producciones discográficas: la primera llamada “Otros Aires”, la segunda “Otros Aires Dos” y la tercera y recientemente lanzada “Vivo en Otros Aires”. Con las cuales ha girado este cuarteto de argentinos por todo el mundo.

Este representativo Grupo de Electrotango estuvo en nuestro país hace poco y tuve la oportunidad, la fortuna, la dicha…de verlos y hablar con ellos. Hablé con Miguel su vocalista y esto me contó.

Diego:. Miguel, ¿Cómo renueva el Tango Electrónico la tradicional música Argentina?

Miguel:. Por lo menos en el caso nuestro, lo tratamos de renovar entendiendo las raíces y creo que también tomando la experiencia de los géneros más actuales, en el caso nuestro, el Funk, Hip Hop, House; géneros que tiene que ver con la electrónica. A partir de la mezcla de esos géneros con la tradición, es que pensamos que esto lo estamos renovando.

D:. ¿Se catalogan Uds. una banda arqueológico-electrónica de tango?

M:. Si, en realidad fue una definición que era para entender que nosotros nos basábamos y hacíamos una cierta arqueología o búsqueda histórica del género y que también usamos la historia del tango como una herramienta de composición, ósea que la misma historia no es algo que quede simplemente en el pasado, es incluso en algunos casos tomar un fragmento de alguna canción como sampler y en otro caso tiene que ver con entender las estructuras de principio de siglo, las estructuras básicas del tango y traerlas a hoy en día.

D:. ¿Cómo ha sido la aceptación en diferentes partes del mundo y también en Argentina de este sonido sureño fusionado con la electrónica?

M:. En general te digo que es muy bueno. Hemos viajado mucho, se han realizado como seis giras por Europa, Estados Unidos y te diría que es increíble la aceptación que tiene, hay muchísima gente que se adentra al género del Tango a partir del Tango Electrónico y empieza a bailar tango por eso y a conocer todo el resto del género.

D:. ¿Qué pensás de Medellín y de la Medellín tanguera sobretodo?

M:. Me asombra, y es muy particular porque uno siempre asocia esta zona con el caribe, con la salsa, el vallenato y entonces ver la cultura tanguera tan grande y fuerte, demuestra que hay una mezcla cultural muy rica, porque toma cosas de todas partes de Suramérica y hablando de la gente de Medellín, la verdad es espectacular.

D:. ¿Qué te llega musicalmente de Medellín?

M:. Lo que mas llega es Juanes indudablemente ya que es un artista internacional, la verdad es que lo que llega en las radios en Argentina es una pequeña fracción de todo lo que pasa, incluso yo quería conseguir música de acá tanto de la más tradicional como lo más nueva para conocer.

D:. ¿Qué piensan los tangueros tradicionales del sonido de Otros Aires?

M:. Hay de todo, pero por lo menos de Otros Aires tenemos una parte del público tradicional que no te digo que le encante, pero hicimos una encuesta en una milonga muy tradicional en Buenos Aires, haciendo escuchar a la gente un tema muy tradicional de nosotros llamado “Sin Rumbo” y teníamos a los viejitos que nos decían: “esto no es tango, el tango es el de antes” y otros que nos decían “ está bueno, está bueno que la juventud agarre estos ritmos, esto te lo valgo, yo esto te lo puedo bailar y está buenísimo” entonces teníamos de las dos cosas. Creo que la gente mayor empezó a entender la suerte del diálogo con otras generaciones, ya que tres años atrás pasaba más que ahora lo del radicalismo.

D:. ¿Cuál es la influencia musical de Otros Aires?

M:. Casi todo el tango, Carlos Gardel, toda la guardia vieja y también la nueva, Piazolla, Manzi, Piana, Corsini y también música de otros lados como el acid jazz, la música negra, el funky, el blues, el house, hip-hop. Las influencias son múltiples, a la hora de poner eso sobre la mesa uno trata de entender rítmicamente como se lleva por ejemplo la milonga con el funky y encontrarle ese beat o ese patrón común que tienen las dos por ser músicas negras, porque hay cosas que tiene de base rítmica ya una relación, y de años, que quizá en algún punto se separaron, pero tienen su base y un parentesco lejano rítmicamente hablando y por eso las podemos fusionar y sonar bien.

D:. Y, ¿Qué sigue para Otros Aires?

M:. Por lo pronto el año que viene es terminar la película que en realidad es un documental de Otros Aires, que es toda la gira y los viajes, musicalizado con el disco nuevo “Vivo en Otros Aires”. Luego presentar temas nuevos del disco que será en estudio y que viene en camino, se presentará hacia el fin del año que viene. Toda la información e incluso el trailer de la película se encuentra en www.otrosaires.com. La película se estrena a mediados de marzo.

Por Diego Londoño

Luego de toda la experiencia del disco anterior, sonado e interpretado en muchas ciudades del país, y del trabajo de autogestión como banda independiente desde el año 2003; año de su creación. La 45 agrupación de rock, que nació inspirada en la popular calle del barrio Manrique en Medellín, donde el tango y Carlos Gardel tienen su lugar de culto en tierra colombiana, lanza su nueva placa discográfica denominada “Canciones Tristes y Largos Días”.

“Este disco es la muestra del talento y la emoción que tienen las bandas de Medellín, sin hablar de la profesionalización del trabajo de cada una de ellas con el paso de los años; no dejan de sorprender, aún manteniendo la tristeza de las composiciones de Camilo. En general es un gusto encontrarse de nuevo con temas que tocan fibra como Todo lo que no sabes de mí, El amor no es para siempre y Canciones tristes y largos días II”, dice Camilo Gómez vocalista de Providencia.

El disco propone una estética basada en la soledad, la tristeza y el desamor, temas que son respaldados desde su imagen y diseño, a la vez que explora matices sonoros que aunque en su disco pasado también se exploraron, en esta ocasión hubo mas investigación y atrevimiento, en lo que se refiere a la propuesta del sonido al que querían llegar. Incursionar por nuevos géneros en los que siempre habían querido fue como realizar un sueño de niños. “Para mi La 45 tiene la virtud de fusionar muy bien los ritmos colombianos con su rock, se crea un sonido auténtico e identificable, cosa que me parece indispensable al hablar de proyectar una banda”, dice Juan Antonio Murillo saxofonista de Rey Gordiflón.

En el disco participan varios artistas de la escena musical de la ciudad, como Sandra Moore, Lelo de Pop Corn, Guido Isaza de Juanita Dientes Verdes, Andrés Rua y Juan Antonio Murillo de Rey Gordiflón, Jesús David Llano “Chucho” de G98, Pablo Domínguez de Coffe Makers, Tomas Uribe de Last Dawn y Alejo García, que demuestran que la banda está desprovista de egoísmos y vanidades y por el contrario manifiesta la tolerancia y el respeto por la diversidad musical.

Tuvimos la oportunidad de hablar con Gonzalo Hernández “Chalo” el baterista de La 45 sobre todos los pormenores del disco y esto nos contó:

Diego Londoño:. ¿A qué le canta el nuevo disco además de a “Canciones tristes y largos días”?

Chalo:. Le canta a las vivencias que hemos tenido en Bogotá, cuando hemos vivido allá o hemos estado por un largo tiempo. Ayudaba mucho la situación de la ciudad (el clima, la soledad, nada para hacer), entonces le cantamos como a todo esto. Además Camilo por esa época estaba saliendo de una relación y se puso a escribir sobre lo que le estaba viviendo en ese momento.

DL:. ¿De qué se vieron influenciados para llegar a la materialización del disco?

CH:. En la parte musical hay muchos géneros en los que nos vimos influenciados, como el bambuco, jazz, bossanova, salsa, rock. De pronto en el disco anterior se escucho también un poco de todo esto, pero en este se exploran más las raíces, por ejemplo el bambuco, suena más a bambuco. Los tres desde niños (Chalo, Camilo y Juanda) nos criamos en una escena musical, y en mi casa por ejemplo siempre se escuchaba de todo, mi hermano escuchaba salsa, el otro rock, mi papá tangos, mi mamá música pa´planchar. Ahora uno puede materializar lo que escucho de niño, porque siempre que tocábamos otros géneros pensábamos en lo bacano que sería hacerlo, hasta que se dio la oportunidad.

DL:. ¿Cuánto duró el proceso para sacar el nuevo disco?

CH:. El proceso en sí, ha sido de toda la vida, porque siempre quisimos un disco como este, pero el proceso real desde que se empezó a componer arrancó en el 2006. Ya en el estudio, entramos como en marzo del 2008 y salió en noviembre. Se realizó más que todo en estudio, por eso el proceso fue muy diferente al del disco anterior.

DL:. ¿Qué cosas aprendieron del disco pasado que pudieron aplicar en este nuevo?

CH:. La experiencia que genera simplemente grabar un disco y hacer otro tipo de cambios a la hora de grabar el que sigue, como la actitud, la manera de tocar, maduración en los conciertos, ensayos. En general lo defino como experiencia.

DL:. ¿Cómo fue el proceso de composición? lírico, armónico, arreglístico.

CH:. Camilo compone el 99% de las letras y llega con una idea en guitarra y luego entre todos la acomodamos y empezamos a buscar arreglos y ambientes.

DL:. ¿Qué tanto aportó todo lo vivido en Bogotá al disco y al grupo?

CH:. Lo que aporta Bogotá a una banda y es algo que le recomiendo a todas las bandas, es que ningún productor va a llegar a tu ensayadero a tocarte la puerta. Eso es muy difícil, puesto que ahora hay mucha difusión, infinidades de bandas. Les recomiendo a las bandas que se aventuren a buscar las oportunidades, no las esperen.

DL:. ¿Cambió el sonido de La 45 con respecto al disco anterior?

CH:. Claro que cambio, aunque sigue la identidad; vos lo escuchas y sabes de inmediato que es La 45. Cambio en el sentido de que el anterior es más crudo y acústico y es la base simple del rock (batería, bajo, guitarra y voz), pero en este disco, hay distorsiones, muchos teclados, percusiones menores, invitados, cosas que llenan mucho la esencia de cada canción. No se si es madurez, pero si se siente un desarrollo con respecto al anterior.

DL:. ¿Quiénes intervinieron en todo el proceso del disco, tanto de preproducción, como de producción?

CH:. Tenemos un productor ejecutivo que es Ricardo Ospina, el ha sido en estos dos años la mano derecha, desde el principio le gustó el proyecto y se la quiso jugar con nosotros. Él fue el que nos dijo “muchachos vengan” y nos ayudó en Bogotá, en las primeras veces que tocamos nos prestó equipos, espacios y también fue quien nos sacó el video de “Dólar diez centavos”. En la parte musical, Jorge Mejia “Chata” a todos nos dio la mano, le debo mucho a él, además de ser un ídolo musical para mí, me ayudo mucho en este disco y le agradezco de todo corazón. Andrés Merchán, también nos ayudó mucho en la parte musical, como sonar en la producción y en las intenciones de las voces de Camilo. Aparte, los músicos invitados que nos ayudaron muchísimo cada uno en el tema que participó.
DL:. Contanos algo de la imagen y diseño del disco. ¿Qué querían expresar con la imagen?

CH:. La lluvia es protagonista en él, por ser lúgubre, incitar a la tristeza y con ella quisimos demostrar lo que se vive en Bogotá. El diseño y la imagen la hizo Hernán Yépez “Lolo” quien también diseñó el anterior disco, es muy parecido al primer disco tratando de darle una continuidad.

DL:. ¿Qué les ofrece el disco a las personas que lo escuchan o lo van a escuchar?

CH:. Es un disco muy sentimental, pueden encontrar en el disco mucha diversidad, hay tristeza pero también alegría, de pronto el que es muy rockero y muy cerrado puede encontrar canciones muy rockeras, al que le gusta el folclor puede encontrarlo igual con el tango, la música brasilera, el folclor colombiano. Es un disco muy diverso sin pretender hacer una fusión o una melcocha.

DL:. Para terminar, ¿Qué sigue para la 45?

CH:. Nos vamos a ir a vivir a Bogotá nuevamente, porque allá esta la industria, hay mas movimiento. A Medellín la adoramos, es nuestra tierra, somos paisas y nos sentimos orgullosos de serlo y siempre lo vamos a sentir, pero acá vemos que se agotan un poco como las posibilidades de tocar, y sería tocar nuevamente en el mismo bar, con la misma gente y no quiere decir que estemos desagradecidos con ellos, al contrario esa gente fue la que nos dio el impulso para estar donde estamos, pero igual hay que abrir el horizonte, seguir tocando puertas. También está la posibilidad de ir a Argentina, Perú, Nueva York.

La Alianza Francesa de Medellín y la Alcaldía de Medellín en concertación con Sayco, con el auspicio de la Embajada de Francia en Colombia, se complacieron en presentar y desarrollar la Fiesta de la Música 2008, la cual se llevó a cabo en total normalidad, con una amplia asistencia de todos los medellinenses que se deleitaron con lo mejor de la música local. Excelente plan de sábado que ambiento la lluviosa tarde del solsticio de verano, curioso, no?

Fueron más de 900 músicos en escena, 100 agrupaciones, más de 30 géneros musicales y aproximadamente 20 escenarios en el área metropolitana, marcharon en total armonía 12 horas de música en conexión con el mundo y libre esparcimiento ciudadano. La Fiesta de la Música de Medellín, es la más grande después de las de Europa. Por estadísticas y cifras que maneja la organización a nivel mundial, somos la ciudad donde se vive con más fervor este día de Fiesta. ¿Qué tal?
La Fiesta de la Música se realiza gracias al aporte voluntario y desinteresado de la Embajada de Francia en Colombia, la Alcaldía de Medellín, la Secretaría de Cultura Ciudadana, la Empresa Privada, las instituciones asociadas, un puñado de organizadores, los medios de comunicación y para terminar, muy allá, atrás, los músicos.

Sí es la Fiesta de los Músicos de nuestra ciudad, y si, según la Constitución Política de la República de Colombia que ampara en la Ley 397 del año de 1997 del Ministerio de Cultura, desde los artículos 70, 71 y 72 el decreto donde se expone el derecho a que la música sea fomentada y difundida como valor cultural.

¿Por qué existe una tendencia a pagarles tan mal a los músicos? Y no solo mal, sino ¿a no pagarles?. Es muy común entonces encontrar frases tan típicas como: “mucha gente los conocerá”, “les damos el licor de la noche”, pero donde quedan entonces tantas horas, días, meses, años de sacrificio musical y todo lo que eso conlleva?

“yo creo que los músicos se dejaron meter como ¨tradición¨ el no pago, les bastan los escenarios ¨grandes¨ y la amplificación ¨profesional¨ y se pasan 10 años diciendo ¨es para que nos vayan conociendo y así se les acaban las bandas”, argumenta Andrés Felipe Gómez, guitarrista y voz de Spastico, miembro activo del colectivo independiente GuitarRuidosis.

No nos dejemos meter gato por liebre, valoremos y amemos el trabajo de los músicos, de las bandas, apoyemos el trabajo independiente, denunciemos los contratistas abusivos, continuemos apoyando el trabajo de personas, corporaciones o grupos que verdaderamente, valoren y apoyen el trabajo de los músicos independientes como la Revista Música con su campaña ” por un músico bien pagado” así sea.

Por Diego Londoño

5:00 de la tarde: se agotan las entradas. 9:30 de la noche: hay un lleno totalísimo en el teatro -ni donde sentarse-. 10:17 de la noche: Juan Fernando “El flaco” Trujillo anuncia el inicio del concierto en el Cantadero del teatro -hermoso y adecuado espacio abierto para todos los músicos de nuestra ciudad-. 10:21 de la noche: inicia su presentación Siguarajazz con unas breves pero enérgicas palabras de Juancito “Trucupei”, seguidas de una descarga de puro jazz rumbero, que puso a mover los cuerpos de todos los asistentes a la tertulia.

“El paraito de la virgen” con su salchichón con pan y limón, la cerveza al estilo paraito, las papitas y demás mecato, dieron esa esencia de barrio a todo el performance del concierto, además de una gran acogida.

Con su tercera canción “La Catalana”; llamada así por un sector del corregimiento de Santa Elena, la gente vibró al son del beat, pero indudablemente “Manrique Mambo” la canción homónima del disco lanzado aquella noche, fue la que desató el baile y los coros de toda la gente “Quiere bailar Manrique mambo, quiere gozar Manrique mambo”.

Hubo invitados musicales importantes en esta celebración, entre ellos: Juancho Valencia y Juan Guillermo Aguilar “Cosito” de Puerto Candelaria, Oscar Castaño de Banda la Republica y Francisco “Pachito” Muñoz integrante de varios proyectos de la ciudad.

El remate muy remate del concierto con un conjunto vallenato para los que aguantaron hasta las 3 de la mañana, fue la cuota finalísima de la madrugada, para concluir con una sonrisa y un gran agradecimiento para todo Siguarajazz; que rumba, que disco, QUE SABOR…

Por Diego Londoño

La montaña gris, música celta y de la fantasía, nace el día 18 de agosto de 2001 en Medellín. Desde sus inicios se ha caracterizado por la difusión del folclore del norte de Europa comúnmente conocido como música celta. Pablo Villegas, su fundador, considera la música celta como un legado que desde la antigüedad, los duendes, las hadas y todos aquellos personajes que conocemos como representantes de la fantasía, dejaron para alimentar la alegría de los humanos, este es uno de los folclores que permitieron el desarrollo de la música en occidente y en América. La música celta provoca en sus oyentes, la sensación de lo mítico y abre las puertas de la imaginación.

Discografía: “Canto Primio-2004. “En el Regazo de la Caramañola”-2006.

Giras: 2004 (Chile, Argentina, Brasil y Ecuador). 2006 (Ecuador, Chile, Brasil y Bolivia ) y 2008 (Brasil).

Actualmente cuenta con 5 integrantes que interpretan: violín, mandolina, acordeón, guitarra, flauta traversa, flauta irlandesa, percusión tradicional, voz femenina, voces y coros masculinos. Hablamos con su líder Pablo Villegas:

Diego Londoño:. ¿Cómo vivir de la música celta en un país tropical?

Pablo Villegas:. Igual que en cualquier parte del mundo vivir de la música es lo mejor que le puede pasar a todo el que le gusta hacer música. Esto es una verdad en cualquier profesión, si usted hace lo que le gusta y eso le da alegrías y dinero pues es un afortunado. En mi caso me hace feliz hacer música y logro pagarme mis gastos para seguir haciendo más música.

DL:. Desde la concepción del grupo ¿pensaste en algún momento en vivir de la música?

PV:. Sí, desde que yo fundé el grupo ese ha sido siempre mi objetivo y cada vez lo estoy logrando más. Eso me tiene muy contento y es el resultado del apoyo de la gente, pues en últimas, lo único que hace a un grupo es tener público, si tienes público tienes un grupo, sino tienes público, no tienes nada.

DL:. En relación con lo anterior, ¿cómo hace un grupo o proyecto musical para convertirse en una empresa?

PV:. Pensando como empresa, es decir sabiendo que un grupo es muchísimo más que reunirse a hacer música, a componer canciones y a pensar en acordes. Para hacer un grupo hay que tener público y ese público son clientes, gente que compra lo que haces y esto te convierte en una empresa. Es una organización que busca esa retroalimentación constante. Yo le entrego emociones al público y el público me entrega emociones a mí. Y esto no puede hacerse en forma desorganizada, esto requiere una planeación, una diferenciación de funciones, unas formas y una actitud. Algo que en las escuelas y facultades de música no enseñan y que como resultado tienen músicos que no saben cómo valorar su trabajo, ni en qué es que trabajan, solo saben tocar muy bien un instrumento y ya… se sientan en su casa a renegar del mundo y a decir que en Colombia no hay oportunidades. La oportunidad está en la mente, en cómo uno asume y siente lo que hace.

DL:. ¿Crees que la música de La montaña gris aporta a la transformación social y cultural de la ciudad en un contexto musical?

PV:. La música genera una conciencia del universo, esto hace que el ser humano sea un poco más real y esté relacionado directamente con el mundo que lo rodea. La música celta, al ser una música antigua y que tiene muchas raíces inconscientes en nuestro acerbo intergeneracional, permite una transformación, en tanto le devuelve al individuo un poco de su oscuro pasado, remoto pasado que fue abandonado en Europa por los guerreros que iban a la conquista de América. Esta música nos entrega imágenes que hemos perdido y que necesitamos para seguir soportando la vida.

DL:. Desde las experiencias de La montaña gris ¿observan una transformación cultural y musical en la ciudad en los últimos años?

PV:. Creo que ha habido un cambio en la forma pero no en el contenido. La administración municipal apoya a los grupos pero se ve que en el fondo solo hay una idea de decir “ahora sí estamos apoyando”, pero en el contenido que se ofrece a la gente hay aún demasiadas falencias. Faltan espacios adecuados para las presentaciones, falta que el sonido sea medianamente bueno, falta difusión y contextualización de los eventos. En cuanto al apoyo que se le brinda al grupo, la verdad es que el grupo se apoya a sí mismo. No quiero depender del Estado, ellos son los que dependen de mí y eso me lo recuerdan en las cuentas que llegan cada mes. Así que yo los seguiré apoyando como a otro más que hay que apoyar ¡jajaja!. Y si ellos quieren darme las gracias por el apoyo que les brindo pues bienvenido sea.

DL:. Finalmente, ¿qué logros han alcanzado con La montaña gris?

PV:. El mayor logro para mi es acercarme cada vez más a la música que tengo en el interior de mi alma.

Por Diego Londoño

Medellín la ciudad de la eterna e incomprendida primavera, está pasando sin duda por un proceso de renovación cultural que tiene su expresión en numerosas manifestaciones artísticas, que se producen en una serie de nuevos espacios creados en los últimos años en la ciudad; una de esas expresiones es la música. Esta expresión que se mantuvo vigente y en posición de resistencia durante una época de crueldad e intimidación y en asocio con diferentes manifestaciones como el teatro, la pintura y la puesta en escena encontró una alternativa de solución y confrontación a la violencia de la época, disparando líricas crudas y sin pena, mezcladas con sonidos agresivos. Es el caso del grupo Frankie ha muerto, que desarrolla propuestas como “Medellín no te vuelvas atroz” en la que se plantea un acto de resignificación desde el arte musical en una propuesta con bases fundadas en el rock que insiste en y por la ciudad.

Espacios que se consolidan

Gestores culturales como la Corporación Ateneo Porfirio Barba Jacob creada en el año 1994 bajo la dirección general de Néstor López, se consolida en la ciudad brindando desde 1999 a los músicos solistas y grupos, espacios para sus conciertos y montajes. Esto gracias a la relación de la corporación con personas como Jaime Ocampo y Andrés Merchán integrantes de los grupos Athanator y Gaias Pendulum respectivamente. Esta es una alternativa más para la inclusión de diversos géneros y la oportunidad para que los grupos demuestren que la intolerancia entre géneros es cosa ya del pasado. “El ateneo como corporación defiende la diversidad cultural y de pensamiento y genera espacios donde puedan venir artistas de diferentes áreas, con estilos y pensamientos muy distintos a otros, para que todos trabajen en compañía de nosotros por un mismo fin, que es llevarle al público de la ciudad otras opciones de entretenimiento desde la cultura”, dice Yacqueline Salazar directora de gestión de la corporación.

La sede de la corporación, ubicada en el Teatro Porfirio Barba Jacob en las Torres de Bomboná, centro de la ciudad, brinda a los jóvenes espacios musicales entre los que se encuentran: Metalmedallo, un proyecto liderado por Jaime Ocampo, en el que participan 60 bandas de toda la ciudad, más de 250 artistas; Voces del Rock en Medellín, un proyecto liderado por Orus Xhon que empezó hace 4 años haciendo tertulias para 15 a 20 personas en el café y que hoy en día ya es para 300 personas; un Fondo Musical, que contiene tres cds en este momento: dos de Athanator y uno de Frankie ha Muerto, dos grupos importantes de la escena rock local.

Grupo Posguerra en el Ateneo

Eventos que se institucionalizan

La Alcaldía de Medellín creó en el 2004 el Festival Altavoz, con el fin de ofrecer a los jóvenes de la ciudad un ambiente adecuado para la tolerancia, respeto y el reconocimiento de la diferencia como parte de la cultura ciudadana. Es una ventana para que los grupos musicales de la escena local muestren su trabajo a la ciudad, al país y al mundo. Se descubre la multiculturalidad, la diversidad y lo más importante, el enorme potencial de los jóvenes, “Altavoz busca promover el potencial creativo y estético, así como la búsqueda de identidad, de expresión y de trascendencia juvenil para la construcción de un tejido social y la convivencia en la ciudad, a través de expresiones que han estado excluidas de la industria musical y de los medios de comunicación” dice Katerine Betancur Urrego, anterior coordinadora de Altavoz. Altavoz es un espacio donde las agrupaciones activas musicales juveniles de Medellín y municipios cercanos, muestran públicamente su producción artística a través de la convocatoria, selección y la realización de un ciclo de conciertos, que se organizan con base en los diferentes géneros musicales juveniles. Los grupos seleccionados representan propuestas en las categorías de ska y reggae, nuevas tendencias punk y punk rock, latín pop, funk y hip hop. “Todas las expresiones culturales que se hagan, aportan al desarrollo cultural de una ciudad. Altavoz es una de ellas ya que converge muchos géneros y mucha gente”, dice Sebastián Mejía, vocalista y guitarrista de Tres de Corazón, uno de los grupos que participo en la cuarta versión del festival internacional.

El festival cuenta además con la participación de bandas del resto de ciudades del país, así como importantes bandas de otros países, como es el caso de Jaguares de México, Pericos de Argentina y Sepultura de Brasil, que participaron en la versión 2007 y en la última versión bandas como Violadores del verso de España, Carajo de Argentina y Maldita Vecindad de México. El festival no solo apoya la cultura ciudadana y las expresiones artísticas locales, también proyecta la imagen que la ciudad quiere y se esfuerza en conseguir. Para Saúl Hernández, vocalista del grupo mexicano Jaguares, “El festival es un ejemplo y lo que está buscando promover debería utilizarse en toda Latinoamérica” “Muestra la recuperación de la ciudad, por los valores fundamentales como la educación y la cultura”

Músicos, fotógrafos, escritores y espectadores se han beneficiado del festival Altavoz “Cada año se hace más grande y cada vez que es más grande implica que haya mayor número de personas involucradas en el proyecto, en el evento como tal y en el proceso de teatro, fotografía, literatura y música, entonces la asistencia a sido súper buena”, concluye Betancur. La acogida al festival sin contar las eliminatorias por géneros se ha ido masificando año tras año, mientras al lanzamiento del festival en el 2004, realizado en la Plaza de Toros la Macarena asistieron cerca de 18 mil espectadores. A la versión realizada en el año 2007, aproximadamente 67 mil jóvenes asistieron a la Cancha Auxiliar del Cincuentenario. Y un elemento adicional que no se puede dejar atrás y que es de mucho peso y trascendencia para los músicos, fue la retribución económica que les hizo el festival en la última versión. Gracias a la inversión municipal y a la fuerza que ha venido tomando el festival, desde el 2005 se vienen realizando 3 días de conciertos en los que miles de jóvenes cantan, poguean y componen, para decir que la ropa negra y los tatuajes no son más que una forma de vida.

Eventos como estos, que se han venido dando en los últimos años y se han institucionalizado por la fuerza de la administración y el apoyo que reciben de los mismos jóvenes, contribuyen a la recuperación de la cultura musical de la ciudad y a que estilos de vida ahora convivan y se relacionen en entornos de respeto y tolerancia.

Ahora los jóvenes cuentan con más oportunidades de expresar su arte, pero son tantos estos jóvenes y tan diversas sus manifestaciones que la ciudad sigue necesitando más eventos y espacios, pues así como muchas bandas tienen la oportunidad de participar en ellos, se siguen quedando muchas otras sin poder ser escuchadas y sin poder dar a conocer a otros jóvenes el mensaje que su música grita. Estos eventos al ser gratuitos permiten que muchos jóvenes asistan y que sea mayor el movimiento de expresiones artísticas y las ideas que ellas generan al público. No obstante, se está olvidando algo muy importante, “Parece ser que la gente se está acostumbrando a los conciertos gratuitos, no debe ser así porque las bandas también necesitan organizar conciertos para recaudar fondos para grabar cds. Entonces bacano que la gente no pierda el sentido de apoyar a las bandas cuando toque pagar” dice Andrés Gallego vocalista de Grito. Son muchos los músicos locales que opinan igual, es también el caso del bajista del legendario grupo Bajo Tierra, Jaime Andrés Pulgarín, según él, “Se institucionalizan eventos como el Altavoz, la Fiesta de la música y el aniversario de Musinet para atraer más gente ya que los músicos deben de vivir de algo, eso ayuda para la difusión del grupo, pero está mal que siempre sea gratis. Tiene que ser algo equitativo, para los músicos y la gente”.

Producción Musical

La ciudad ha venido evolucionando y experimentado en cuanto a la producción musical, pues antes para que un grupo de cualquier género tuviera su trabajo discográfico necesitaba invertir mucho dinero o conseguir algún contrato con un sello discográfico. Ahora se ha vuelto una necesidad mostrar un trabajo con una presentación más profesional y las opciones para realizarlo son mayores, “Hoy en día hay muchas más formas de que una banda se muestre de una forma profesional, están los estudios de grabación, la televisión, las casas independientes, además la autogestión y el Internet. Todo es más asequible”, dice Luís Alejandro Jiménez de Oídos Productions, estudio de grabación.

En los últimos años se han hecho producciones de excelente calidad dignas de mostrar en diferentes lugares de Colombia y el mundo, esto se debe también al desarrollo, profesionalización y posicionamiento de productores y estudios de grabación en la ciudad. “La producción musical contribuye mucho en lo social y cultural de Medellín, pues hay una relación directa, se crean nuevos espacios de expresión y bandas, músicos, estudios de grabación, productores ven la necesidad de mejorar y pasan del garaje a las universidades creando así nuevos círculos sociales que le aportan crecimiento a la ciudad. Estamos forjando un sueño con bases realmente luchadas por nosotros mismos”, concluye Jiménez.

Protagonistas del cambio La cantidad y calidad de la producción que se está generando aporta a la transformación cultural y musical de la ciudad, ya que la gente se está abriendo a nuevos sonidos y tendencias. Los radicalismos quedaron atrás y propuestas diferentes y relativamente nuevas para la ciudad reciben cada vez más apoyo. Este es el caso de La Montaña Gris, un grupo de Medellín fundado en el 2001 por Pablo Villegas. Desde sus inicios se ha caracterizado por la difusión del folclore del norte de Europa comúnmente conocido como música celta, uno de los folclores que permitieron el desarrollo de la música en occidente y en América. El grupo en sus seis años de trayectoria ha desarrollado una gran cantidad de conciertos que han logrado generar una nueva propuesta musical apetecida en teatros, universidades, centros culturales, bares, cafés, entre otros. Entre octubre y diciembre de 2004 realizaron una primera gira por Suramérica que abarcó Chile, Argentina, Brasil y Ecuador, participaron en grandes festivales y encuentros internacionales y nuevamente entre los meses de septiembre y diciembre de 2006 recorrieron América del Sur realizando conciertos en Ecuador, Chile, Brasil y Bolivia, proyectos que le permitieron a La Montaña Gris tomar un posicionamiento y lograr un reconocimiento importante en el medio de la Música Celta en Latinoamérica. “En estos años el apoyo del público ha sido lo más importante. En últimas, lo que hace a un grupo es tener público, si tienes público tienes un grupo, sino tienes público, no tienes nada” dice Pablo Villegas.

La puesta en escena de un grupo como La Montaña Gris es sin duda un vuelo a los ambientes míticos y fantasiosos, su música genera una conciencia del universo que hace que el ser humano sea un poco más real y esté relacionado más directamente con el mundo que lo rodea. “El grupo como organización, busca esa retroalimentación constante. Yo le entrego emociones al público y el público me entrega emociones a mí.” Un grupo con un trabajo bien estructurado, dedicación, entrega total y amor por la música que hace, puede llegar a convertirse en una empresa como la Montaña Gris, “Un grupo es muchísimo más que reunirse a hacer música, a componer canciones y a pensar en acordes. Para hacer un grupo hay que tener público y ese público son clientes, gente que compra lo que haces y esto te convierte en una empresa”, dice el fundador del grupo.

Indudablemente la transformación social, cultural y musical de la ciudad viene en etapa de cambio y crecimiento, se confirma con el compromiso de todos los ciudadanos que buscan aun más alternativas y participan del cambio que está viviendo Medellín. En este proceso no se puede desfallecer hay que luchar por ese ideal colectivo que a medida que evoluciona toma más fuerza y consolida nuevos espacios que se profundizan, ciudadanos que construyen más oportunidades y una Medellín de corazón futurista que busca salir de la atrocidad que inundó sus calles en el pasado. Esta es la nueva Medellín, la Medellín que queremos.