Por El Hombre KCT

hombrekct@musicasomos.net

Cierto día, alguien muy conocedor del audiovisual en la ciudad dijo: -Si el video musical hecho en Medellín no transita por la televisión, se pierde, ahí queda guardado, y así, no sirve-. Sin embargo, esta sentencia que determina las intenciones del video clip como un asunto meramente comercial, desconoce que es más allá de la emisión  televisiva donde el uso de esta herramienta audiovisual tiene múltiples escenarios, posibilidades y prácticas.

Son estos otros espacios de la ciudad como: los museos, los festivales, las programaciones culturales de algunas instituciones, las investigaciones,  la literatura, la escuela,  entre otros; los que a la hora de la verdad, le dan al video clip local esas riquezas y esas dinámicas que posee.

Entonces, es en estos lugares, donde los asistentes pueden encontrar  esos valores estéticos, narrativos, históricos, formativos y reflexivos que trae cada video clip.

Ojos de Asfalto

“Medellín es también una urbe que se construye y se transforma desde sus barrios populares, que se cuenta  y se interpreta a través de otras voces que buscan por sus propios medios y con sus propias formas de expresión contar versiones de la ciudad…”

Este fue el trabajo formativo e investigativo que realizaron Luckas Perro y Ana María Muñoz, un par de antropólogos de la Universidad de Antioquia  que se encargaron de buscar y acompañar esas otras voces, imágenes y ritmos de jóvenes  hoppers de cinco  comunas  de la ciudad, usando el video musical como herramienta pedagógica.

Que mejor manera entonces,  de construir memoria audiovisual de las vivencias ciudadanas  que tejiendo redes y uniendo esfuerzos. Este es el caso del proyecto  “De las Mediaciones Globales a las resignificaciones  Locales; talleres de video clip con jóvenes hip hop en Medellín”, que fue financiado por el Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH) y por el Programa de Memoria y Patrimonio de la Secretaria de Cultura Ciudadana en convenio con el Instituto de Estudios Regionales de la Universidad de Antioquia (INER). El proyecto contó además, con el apoyo de la Corporación Pasolini en Medellín y la Corporación Cultura y Libertad.

El resultado fue Ojos de Asfalto,  una realización audiovisual que  contiene un dvd con cinco video clips, un cd con diez canciones y una especie de librillo muy sollado donde se resume el desarrollo temático del proceso de  investigación.

Para los investigadores del proyecto Ojos de Asfalto “es una muestra de las memorias de estas zonas;  de las felicidades, las exclusiones, las vidas y las muertes que han vivido sus jóvenes habitantes. Es en ellos,  en sus palabras, donde reside una Medellín hermosa y perversa, una “ciudad amada y odiada” que aún le falta volumen para ser escuchada por todos sus habitantes en su profunda complejidad, una ciudad que es cantada, soñada y  trasformada en el beat de las pistas, en el flow de las rimas del hip hop, y en cada disparo… de la cámara”.

Los talleres

La formación audiovisual de los jóvenes hoppers se desarrolló en diez extensas  jornadas en la que se trabajó, entre otros temas, composición clásica de la pintura renacentista y  formas narrativas del cine. Igualmente, en las sesiones audiovisuales se realizaron diálogos alrededor de la memoria, la crítica social y lo underground.

Los talleres permitieron además, según los coordinadores del proyecto, realizar un proceso reflexivo y analítico sobre el lugar y los sentidos de la imagen en la contemporaneidad y sobre los “diálogos” que se establecen entre la cultura hip hop local y la global, donde al final los jóvenes participantes  pudieron traducir sus letras a imágenes.

Para Luis Eduardo Loaiza conocido como El Bruhoo, el haber participado en Ojos de Asfalto fue muy importante porque se entendió todo lo que implica la realización de un video. Así como el encuentro con la imagen de cada uno de ellos: cómo me quiero ver y  mostrar.

Frente a la producción mundial lo más necesario para hacer un buen video clip no es el dinero, sino saber que, para hacer algo bueno y de calidad se necesitan son ganas, dedicación y creatividad afirmó  Mc Blaster de la comuna 1.

Lo más interesante del proyecto  fue que estos jóvenes participaron en todo el proceso de la realización de los videos musicales: idea, guión, producción de campo, dirección, actuación y montaje.

Y los videos qué…?

“No es extraño que una generación que creció en medio de la guerra, tenga este tema como el más recurrente en sus canciones, pero lo que encontramos en sus memorias no es una antología de los conflictos urbanos,  más que una recopilación de hechos, los video clips y las canciones desarrolladas en el proyecto nos muestran una forma de vivirlos…” expresa Luckas Perro, en el librillo que sintetiza la investigación de Ojos de Asfalto.

“Estados” es el nombre del video clip hecho por los pelaos de la comuna 1 que va contando la historia de cuatro personas de  este sector de la ciudad, que al salir de sus casas se van enfrentado a la vida cotidiana.   Ellos van caminando felices, confundidos o sin luz, según su realidad. El  video mezcla la dramática narrativa y el performance musical de los Mcs que aparecen y participan también del relato.

Una tragicomedia que retrata a través de la burla y la ironía,  la evidencia que padecen tantos niños de la ciudad, quienes  nacen, crecen y mueren en medio del conflicto urbano. Este es el tema del ejercicio llamado “Juan Pepito”  realizado por  hoppers de la comuna 8 que hacen una catarsis audiovisual utilizando una historia jocosa y el performance musical.

La poesía audiovisual es otra manera de contar esta ciudad y este es el caso de “Medellín”,  un video clip hecho  desde la comuna 9 que utiliza la metáfora de un ángel que llega a la ciudad, y que después de recorrer sus calles y conocer sus mañas termina encontrando su verdadera pasión que nada tiene que ver con lo celestial: dañar a los demás.  El video que es realizado en blanco y negro refleja esas dos caras de la urbe: hermosa y perversa.

“Hip Hop revolución” es un video que deja claro que a pesar de los prejuicios que se tienen  contra los jóvenes de la ciudad como los principales protagonistas del conflicto armado, ellos escogen la música como salida pacífica y crítica de las guerras. El video cuenta la historia de muchos jóvenes que al parecer tendrán un enfrentamiento violento  en una cancha, pero, lo que termina pasando, en últimas, es un encuentro artístico.

Finalmente, el video musical “31 de mayo” realizado por los participantes de la comuna 13, no da cuenta del conflicto urbano que se vive en esa zona. Ellos, utilizaron el ejercicio audiovisual para hacer un homenaje a las víctimas del deslizamiento de tierra ocurrido en el barrio El Socorro en el 2008. El video utiliza además, metáforas visuales como el niño corriendo con la cometa o la estatua de un ángel en medio de la lluvia.

La posibilidad que tiene el video musical de construir memoria y en este caso, memoria audiovisual de las sonoridades de la ciudad, hace que los clips sean toda una herramienta de comunicación muy potente, y por supuesto, que va más allá de la mera emisióntelevisiva.

Por Diego Londoño

diego@musicasomos.net

Don Rubén Jaramillo es uno de esos pocos seres que con solo la mirada refleja pasión, confianza y admiración. Es un músico “natural” en el buen sentido de la palabra, nacido en Envigado, un 23 de octubre de 1950. Desde muy pequeño estuvo al lado de la música y sobre todo de los instrumentos de percusión, esto gracias a su Padre Jesús María Jaramillo, el músico y zapatero “Negro Suso Jaramillo”, personaje reconocido en Envigado, por su taller de zapatería  que mantenía animado con rumba, porro y pasillo.

Su primer acercamiento a la música fue en la celebración de su primera comunión a los 8 años, “mi papá llegó con unos amigos para amenizar la fiesta, la orquesta empezó a tocar y yo iba a bailar pero no me dejaron, me pararon al lado de mi papá y luego de que él tocara un tema, me dijo ¡A tocar!, y lo hice. Aunque yo no sabia nada, todo lo hice por naturaleza y ese fue el inicio; es por eso que mi musicalidad ha sido siempre muy natural”, recuerda Rubén.

Que, ¿Con quien ha tocado? más bien ¿con quien no?, eso dicen frecuentemente, “me he destacado en todos los eventos, he tocado con todos los músicos del festival de tiple, y eso solamente me da pie para considerarme uno de los principales percusionistas del país”, dice Jaramillo.

La experiencia musical de Rubén Jaramillo basada en la naturaleza de su interpretación, le ha permitido acompañar o simplemente alternar en escenario, con distinguidos exponentes de la música en el mundo, como Antonio Pecci “Toquinho”, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gian Franco Pagliaro, entre otros. Además de varios músicos de la ciudad que mas que colega, lo consideran un gran amigo; como Federico Ochoa, músico de varios grupos de la ciudad, quien tiene mucho para decir de él, ya que lo admira  como músico y como persona “Rubén no te toca un solo sonido que no le salga de su alma, es la primera persona de la que tengo conocimiento  que ha asumido la improvisación y la expresión personal como banderas en su interpretación y podría definir su trabajo como tremenda y conmovedoramente creativo, original y expresivo, ya que le ha apostado la vida a su propuesta”.

El negro Rubén, también  ha pertenecido como percusionista a grupos importantes dentro de la escena musical del país, como lo han sido “Génesis de Colombia”, un legendario grupo pionero de la época,  al fusionar el folclore del país con el rock, liderado por el músico Humberto “Humo” Monroy, también “Viajeros de la Música”, un grupo consagrado a la divulgación de la música tradicional no solo colombiana sino de América del Sur. Junto con sus integrantes, Juan Fernando Echavarría y Beatriz Vargas Torres, también ex integrantes de Génesis de Colombia, participó en varias grabaciones y  realizó una serie de giras por todo el continente, convirtiéndose en una especie de músico nómada, al tocar de ciudad en ciudad, de pueblo en pueblo y permeándose de la infinidad de influencias musicales existentes en cada una de las regiones que visitó y sintiendo cada una de esas culturas tan familiar y propias como su folclor.

Una de las experiencias vividas durante el transcurso de las giras, fue haber pertenecido a orquestas como la OM Music y Camaleón, esta última desarrollada en Brasil e integrada por músicos de Suiza, Italia, Alemania, Brasil y Colombia.

Un show del maestro, es todo un espectáculo a los sentidos; el juego con los ambientes y emociones, la energía que transmite y la calidad en su ejecución es todo un viaje de sensaciones, “en un show mío ofrezco la sinceridad para ejecutar mi instrumento y acompañar a un artista o músico. Pueden encontrar un espectáculo de mucha creatividad y sorpresas, además de procurar que el momento sea agradable tanto para mi, como para los espectadores”, apunta Rubén.

El negro Rubén indudablemente ha hecho escuela en Envigado, sin hablar de la infinidad de conciertos en los que ha participado y liderado. Es pionero en creatividad al presentar los formatos de sus conciertos, al utilizar tres grupos de instrumentos: el primer grupo de instrumentos hechos propiamente como tal, como lo son la tumbadora, el bongo o las maracas. También un grupo de elementos naturales sonoros como la madera y las semillas y un grupo de elementos de desecho industrial, como lo pueden ser el hierro o metales, un piñón de moto, llaves en desuso, cucharas y un triangulo hechizo, entre muchos otros. Elementos muy sencillos  a simple vista, pero que resumen para él la función de la percusión, sobre todo si se acompañan del  ritmo, la disciplina y la creatividad del manejo.

El negro Jaramillo en todo este recorrido musical y gracias a  todas estas experiencias vividas, ha dejado un gran legado. Ha dedicado casi toda su vida a la enseñanza, más que teórica de  sus experiencias. A sus alumnos ha enseñado entre otras cosas, la importancia de la naturalidad en la música y a reflejar los estados de ánimo en la interpretación,  entre ellos, se encuentran sus hijos. “Mi papá es todo un maestro de vida, es por la persona que hago las cosas bien, por él soy lo que soy y tengo lo que tengo. Gracias a toda esa experiencia musical que me brindó, tengo bases para hacer cosas maravillosas y también para ahorrarme muchos errores”, dice Luis Miguel Jaramillo, hijo de Rubén.

Conozcamos a esta gran persona más de cerca

Diego Londoño:. Rubén, entonces ¿de tu familia todos eran músicos?

Rubén Jaramillo:. Sí, todos eran músicos. A mi mamá le preguntaban ¿Doña Martha y el hijo mayor suyo que hace? y ella respondía: mi hijo mayor es músico y los otros tampoco hacen nada.

DL:. ¿Qué significa para usted la percusión?

RJ:. Para mi la percusión tiene dos puntos de vista,  el mío que es el natural y el otro que es el que se pretende adquirir. Pero creo que la base todo se centra en que uno puede tener un instrumento muy malo, de bajo presupuesto y calidad, pero el encargado de darle la caracterización es uno y con esto lo hace bueno o malo.

DL:. ¿Qué consejo lo podrías dar entonces a los que empiezan en la música y más aún a los percusionistas?

RJ:. Que sean sinceros, que desarrollen su ejecución según lo que sientan en el momento y lo disfruten al máximo, ya que cada persona es única como su huella digital, entonces así también es su ritmo, único.

DL:. ¿Cuáles han sido los frutos que has recogido?

RJ:. Creo que el más importante,  es el aprecio que las personas sienten hacia mí y por mi trabajo, igual creo que esa siempre será la mejor recompensa para un músico.

DL:. ¿Vive de la música?

RJ:. Claro vivo de mi oficio que es 100% la música, día y noche. Tengo una gran memoria musical, porque mis primeras dos décadas fueron de escuchar mucha música y de estar muy cerquita a la música, sin ningún tipo de presión, quizá por esto siempre la consideré como mi trabajo y entonces con el concepto de trabajo he logrado toda esta disciplina y gracias a esto no se me ha hecho pesada la vida en ningún momento y vivo muy tranquilo.

DL:. ¿Qué sigue para Rubén Jaramillo?

RJ:. Seguir desarrollando mis proyectos, implicar a mucha más gente joven, entre ellos a mis hijos, mostrarles lo sencillo y también lo complicado de la música y seguir creando huella y dando ejemplo.

De  todas las experiencias vividas por Rubén, apartir de tantos viajes y presentaciones con tantos músicos de todo el mundo, viene desarrollando desde hace algún tiempo lo que llama “Música de Creación Inmediata”,  una serie de tertulias musicales donde se reúne con amigos y familiares a hacer música en jamming, a partir de las sensaciones del momento de la ejecución. “En este proyecto trabajo sobretodo con mi hijo Luis Miguel y creo que este ejercicio es el verdadero sentido de la música, y puede ser como una síntesis de mi trabajo o etapa de maduración musical. Simplemente nos sentamos en buena disposición y empezamos a tocar, todo ese proceso va fluyendo según el espacio, el ambiente y también lo que queremos reflejar. Aunque no lo sepa explicar muy bien, en escenario todo esto adquiere una forma increíble para no haber tenido ninguna preparación”.

Rubén Jaramillo es un percusionista que se entrega a la música con pasión y amor, que tiene infinidad de cosas por contar y enseñar y que siempre le aporta a su interpretación cualidades musicales como la bondad y la naturalidad. Su  entrega e innovación musical, ha sido tan completa, que él mismo ha llegado a considerarse como su músico preferido y esto puede deberse a  la síntesis y adaptación que hace de cualquier elemento sonoro,  aplicando siempre  el sentido de trabajo a su oficio de jugar con los sonidos.

Por Julian Castrillón

julian@musicasomos.net

Recuerdo hace mucho haber escuchado por ahí “Love & Caring”. Me tomó bastante tiempo digerir esta nueva tendencia. Un techno que se inclina a una estética del circuito independiente londinense.

En discusiones vagas con mi buen amigo y extrañamente hoy por hoy buen conocedor de Techno @itslikegodsvag, tuve un gran acercamiento a este duo Canadiense, concluyendo lo apartados que se encuentran hoy del sonido que explotó las mentes de la crítica un par de años atrás.

Un sonido caótico, oscuro y al mismo tiempo producto por excelencia de la maquinaria indie.

Crystal Castles con su segundo álbum autotitulado se abandera de sonidos electrónicos que a pesar de mi tardío descubrimiento, difieren en gran medida del 8bit Sound (Propio de los juegos de video en los 80’s) del cual son pioneros.

Sin embargo, “Fainting Spells” es un agresivo corte de noise y desesperación. Mientras que “Doe Deer” es el vestigio más arraigado a sus previos matices en una frenética corriente de beats entrecortado con los rasgados alaridos de Alice Glass.

“Celestica” “Baptism” “Suffocation” y “Pap Smear”

Muy similares entre ellas, constan de suaves y dulces melodías vocales que claramente se aferran a pistas de un sonido con rasgos mucho más House y Synth Pop, donde encontramos la multi-capacidad creativa de Ethan Kath en los sintetizadores para crear atmósferas de  tonos muy azules y apacibles.

“Year of silence” “Vietnam” “Birds”

Poseen un background de synths distorsionados con tintes más perturbadores. Se juega con los timbres que la voz de Alice pueden alcanzar e igualmente explotan efímeros algunos sonidos de teclados más minimalistas. Me recuerdan, porqué no, los tracks  de tipo más Dance-Club Techno del grandioso Aphex Twin.

Por su parte, pasan un tanto desapercibidas bajo una línea lounge muy discreta y un tanto experimental: “Intimate” “Violent Dreams” y “Empathy”

Queda mucho por decir…

No me autodenomino como ningún juez.

Tan sólo un breve espectador.

http://crystalcastles.com/

Música Somos comparte con todos gratuitamente el disco “Noches sin Dormir” de la agrupación Argentina Zelen, la que hace algún tiempo visitó nuestro país, con su gira promocional, pasando por festivales como el Viboral Rock realizado en el Carmen de Viboral.

Escribínos, comentános que te parece este disco… Música Somos, Vida Musical.

Descarga del disco por Música Somos.net

También hace un tiempo hablamos con ellos, escuchá la entrevista…

Los Reyes próximos a lanzar su Lado B, nos cuentan sobre su historia, su influencia y los proyectos que les sigue como Banda de Rock n Roll en la ciudad de Medellín.

Foto por Yojan Valencia

Por Lucas Vargas Y Sierra

Lo primero que sorprende son las edades de los asistentes: viejos muy viejos, jóvenes muy jóvenes. Lo segundo que sorprende son las apariencias de los asistentes: arreglados muy arreglados, desarreglados muy desarreglados. Lo tercero que sorprende es que en el Teatro Metropolitano no cabía un alma más: plaza llena, Sabina arrasa Medellín.

Es la primera (y espero, con toda la fe de la que es capaz un ateo, que no sea la última) vez que veo a Sabina en escenario. Mientras esperaba el comienzo del concierto me repetí una y otra y otra vez que debía tener la memoria atenta para luego poder escribir esto, para recordar las canciones y un cierto orden, para poder narrar como es debido un concierto del español.

Mis pretensiones, por supuesto, cayeron en el vacío. Asistir a un concierto de Sabina es participar en una orgía, en un partido de fútbol, en una batalla épica y en cuarenta días de encierro solitario, todo al tiempo. Luego de lo cuál la memoria es un accesorio de difícil uso pues el espacio destinado a ella se ha entregado al placer y al dolor dulce de las nostalgias. Intentaré, no obstante, dar unas pinceladas generales sobre lo que viví aquella noche, anticipando que probablemente sea mentira y aclarando que no me importa: por ilusiones así se vive y hasta se muere.

El concierto empezó a las ocho y cuarto, terminó casi a las once de la noche: tres horas de rock, de baladas, de rancheras, de cumbia. Tres horas de Sabina en las que orgasmo metafísico tras orgasmo metafísico terminé sin una sola gota de semen (metafísico) en el organismo.

El escenario estaba vacío cuando empezó a sonar “Blues del alambique”, entonces la tensión por las nubes, los rostros girando buscando al cantante, creyendo que podía estar sentado entre nosotros, que podía empezar el concierto haciendo aparición por las puertas traseras. La canción sonó completa, una prueba de sonido -supongo-, y en el escenario aparecieron por fin los miembros de la banda. Me dio un primer paro cardíaco cuando reconocí a Pancho Varona, con su sombrero cowboy y el bajo, un segundo infarto cuando García de Diego se sentó al piano. Estaban en escena los dos grandes escuderos (culpables en gran parte por la obra maestra que es “Vinagre y rosas”), faltaba el quijote, con su traje de dril por cota de malla, con su sombrero por visera.

No tardó: Varona cantó una estrofa de una ranchera -de Jose Alfredo Jiménez, ¡carajo!- a modo de presentación, y Joaquín Sabina (el mismísimo Sabina, y ahí fueron todos los paros cardíacos en línea) salió al escenario, puso una mano en su cabeza para evitar que se cayera el sombrero, e hizo una reverencia. El teatro Metropolitano de la ciudad de Medellín entero de pie, las palmas, los gritos, la gente que cómo yo se sabía sobreviviente de muchos paros cardíacos y que sabía también que habrían muchos más a lo largo de la noche.

Y empezó el concierto.

Primero un doble golpe de “Vinagre y rosas”, con Tiramisú de limón y Viudita de Cliquot. Un pequeño error con el sonido no causó mayores problemas, antes de la segunda estrofa estuvo corregido y la voz de Sabina en vivo y en directo nos demostró que no es un artista de estudio, que hay que escucharlo en vivo para sentirlo de verdad. El público respondió como debía responder -aunque aquí debo hacer un paréntesis (estábamos, E y yo, ubicados al lado izquierdo del Teatro, dónde estaba la gente menos animada, y los que durante el concierto estuvieron de pie éramos pocos en ese sector, lo que no nos aguó la fiesta), cierro paréntesis- y cantamos con fuerza ambas canciones, yo me partí la garganta, soy la prueba viviente de que los desafinados también tienen corazón.

Con Viudita de Cliquot pude haber muerto. Es mi preferida del “Vinagre y rosas”, me recuerda mucho a mi abuelo. Pero ese es otro cuento, que con suerte contaré luego.

Siguiendo con el concierto. La tercera de la noche fue Ganas de…, del “Esta boca es mía”, y empezó recitada: sin instrumentos, Sabina declamando los primeros versos con acompañamiento de palmas por parte del público (dirigido por Pancho Varona). Fue apoteósico: con esa canción se dejaba en claro que se iban a tocar las viejas, las de los trabajos pasados, los clásicos sabineros.

En este momento la lucidez que pude haber demostrado en el relato se despeña en los abismos de lo febril, y cae sin tocar nunca fondo, rodeada de brumas apolíneas y dionisiacas que embotan la memoria y hacen que, de este punto en adelante, no recuerde absolutamente nada con un orden específico. Me resulta imposible (¡imposible!) recordar qué canción siguió a Ganas de…, así que lo que va de aquí en adelante son impresiones, retratos independientes de una línea cronológica, que espero tengan al menos la nitidez de una descripción detallada.

1. Sabina presenta con un soneto a uno de sus guitarristas, le pide -dentro del soneto- que cante con él una canción. Entonces empiezan los acordes de Llueve sobre mojado, y el auditorio entero se pone de pie para cantar “Bla bla bla bla blaaaaaa”. Cuando termina la canción, Sabina presenta al resto de la banda del mismo modo que al guitarrista, cada uno con un soneto. La andaluza que lo acompañaba me enamoró, lo confieso ahora.
2. El poema que está recitando en cada ciudad de la gira “Vinagre y rosas” también fue recitado en Medellín, con el respectivo arreglo de los últimos versos para que la rima fuera perfecta. (Ver el poema en www.joaquinsabina.net)
3. Sabina afirma que en un momento de su vida le pasó lo peor que le puede pasar a un cantautor de su tipo, era feliz con su novia, pasó seguido contó como un día amaneció borracho en la ciudad de Praga. Entonces, silla y guitarra, y la luna fue una daga teñida de alquitrán.
4. En varias oportunidades Sabina salió del escenario, dejando a cargo del concierto a su banda, que demostró estar a la altura. Cantaron en solitario clásicos del repertorio Amor se llama el juego (que la cantó García de Diego), El caso de la rubia platino, sé que hubo dos canciones más, una en voz de Pancho Varona y otra en voz de la andaluza, no las recuerdo, desafortunadamente -o afortunadamente, cuando la amnesia tiene causas como las mencionadas anteriormente, puede considerarse una fortuna-.
5. Dentro de las ventajas del oficio, cuenta Sabina, está que uno llega a conocer a sus ídolos, y así fue como se encontró con Chavela Vargas, que cumple 91 años y con la que tiene, al menos, tres cosas en comun: “Los dos somos muy borrachos, a los dos nos gustan mucho las mujeres, y los dos estamos muy retirados”. Luego de esa presentación sonó Por el boulevar de los sueños rotos. A mi derecha, una mujer de cuarenta y tantos años, vestida de rojo de pies a cabeza, con varios kilos de mas y muchos miedos de menos, cantando, bailando, secando una lágrima que no podía correrle el inexistente maquillaje, y gritando “quién pudiera reír como llora Chavela”.
6. Para la mitad de la noche un farol apareció en una esquina del escenario, Sabina contó dos anécdotas (por eso es que hay que oírlo en Teatro, para que pueda contar todas las cosas que quiera) y sonó Una canción para la Magdalena. En escena apareció la andaluza, vestida con falda muy, muy corta y un cigarrillo en la mano. Fue una de las canciones más emotivas de la noche.
7. Acabo de recordar la canción que cantó Pancho Varona, nada más y nada menos que Conductores suicidas, yo, lo admito, hice el gesto de levantar mi copa e invitar a brindar, en honor a unos cuantos que ya no están, y que fueron buenos en el difícil arte de no mojarse bajo un chaparrón.
8. El contraste entre ritmos fue perfecto. A una balada lenta podía seguirle una canción movida con perfecta sincronía. Sonaron, por ejemplo, Aves de paso y Princesa, y también Calle melancolía y 19 días y 500 noches. Sonó, en resumen, toda la gama sabinesca.
9. La andaluza tenía una voz hermosa, ella misma era hermosa, y cantó “a la andaluza” Y sin embargo te quiero, canción que se fundió, cómo ya es clásico, con Y sin embargo. Otro momento emotivo hasta las lágrimas. Un viejo, con traje gris -y no miento-, se levantó de su silla para cantar ésta. Fue la única que le oí cantar, tenía una buena voz, como para tangos y boleros, y se apoyaba en el bastón para no irse al piso. Debía estar entrado en los sesenta. “Tiene veinte” pensé cuando lo vi coreando a Sabina.

10.  El momento romántico de la noche estuvo a cargo de Contigo. ¿Adivinen qué? Me dio un paro cardíaco.

11.  Se cantaron también Peces de ciudad y Peor para el sol, y de las nuevas el público saltó y gritó al compás de Embustera. También cantaron la excelente fusión de Noches de boda con Y nos dieron las diez. Y para la despedida, rock’n'roll de cuenta de Pastillas para no soñar y La del pirata cojo.

Seguro se me pasan canciones. Sigo sin recordar la que cantó la andaluza sin Sabina. La memoria tiene baches, eso ocurre cuando es tanta la electricidad que corre por la piel que uno no tiene mas opción que vivir, y ya, desconectando todo lo innecesario para el goce.

Se resalta la calidad de la banda, que no sólo tocan de maravilla, sino que en el escenario se mueven y danzan y lo hacen tan suyo y tan nuestro. Una puesta en escena perfecta. Se resalta la calidad de Sabina, que definitivamente no es un cantante de estudio.

Después del concierto llovía. Y no importaba mojarse.

Música Somos sigue paso a paso la consolidación de los proyectos de los grupos de Medellín y Colombia, por eso hoy en compañia de los amigos de Tr3sdeCorazón, presentamos el detrás de cámaras del rodaje de su próximo video titulado: Olé, Olé, Olá de su más reciente placa discográfica Quietos Todos. Música Somos TODOS.

Música Somos recomienda Aerosoles, el nuevo video clip de la agrupación de Reggae Providencia que nos llena la retina de vibraciones y conciencia. Un pertinente, relevante y sollado ejercicio audiovisual producido por Locomotora. Este video ratifica la evolución del video musical en la ciudad de Medellín en estos 22 años de historia. Un video donde prima la idea y el concepto sobre la representación.

“Agitando corazones contra la opresión…”

El bajista de la banda Slipknot, Paul Gray, fue encontrado muerto en un hotel en Iowa esta mañana, de acuerdo a la policía local.

Según el Departamento de Policía de Urbandale, un empleado del hotel encontró el cuerpo de Gray en su habitación esta mañana.

Los policías dicen que no encontraron evidencia de violencia en el lugar, pero habrá una investigación sobre la muerte del músico.

Gray tenía 38 años.

José Pablo Arbelaez  “Chepe”, destacado músico y compsositor de la ciudad pasó con todo su puñado de experiencias en la música por Altaír y Música Somos Radio. Nos contó historias particulares de la forma de componer canciones y tambíen interpretó en vivo hermosas canciones que representan todo el trasegar de la historia de Matute.

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Periodismo Musical Para la Ciudad