Por El Hombre Kct

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El tango, el jazz y otras músicas como las rancheras mexicanas entraron a los ojos de nuestros abuelos con las películas musicales que artistas como Gardel y Pedro Infante  dejaron en cine para la memoria.

Sin embargo es en los años 60’s, que las películas musicales rockeras comienzan a influenciar a una generación de pelaos que veían en estas estrellas: modelos a imitar y seguir.

“fue tal la influencia de esas cintas, que a raíz de ellas algunos (jóvenes) se modernizaron; compraron Lambreta, vistieron bluyines Lee traídos de San Andrés, tomaron la píldora anticonceptivas y se pusieron minifalda. Situaciones enmarcadas en la crisis que produjo ese primer enfrentamiento generacional, agudizado aún más con el furor mundial protagonizado por los Beatles” (Trujillo, 1997:…).

“En agosto de (1964) se estrenó en el Teatro Ópera de Medellín la primera película de esta agrupación de Liverpool, A hard day’s night, llevada al español con el título qué día el de aquella noche, dándose inicio a la fiebre local por esta agrupación” (Herrera, 2008: 10)

Por estos lados de Medellín se escuchaban los mambos, merengues, porros, tangos, rancheras, entre otros ritmos. Sin embargo, el festival de Ancón fue la punta de lanza para ese movimiento cultural rockero y de rebeldía juvenil,  que se estaba gestando en Medellín y el país; y también, es otro momento histórico del videoclip en la ciudad.

“… muy pocos supieron de la grabación para cine que del festival de Ancón hicieron no solamente Diego León Giraldo (Q.E.P.D.97) -director del Noticiero El Caribe de ese entonces- sino también la Metro Goldwyn Mayer” (Trujillo, 1997…). Este hecho se convierte en uno de los primeros registros audiovisuales de la música hecha en la ciudad y de las expresiones juveniles.

“Los días 18, 19 y 20 de junio de 1971 se realizó el Festival de Música Ancón {…}el evento partió en dos la historia de la juventud en el país y se convirtió en símbolo de esa generación.  Por primera vez, los jóvenes pudieron expresarse libremente y ser ellos sin censura de ninguna clase: tres días de música, naturaleza, paz, amor libre y marihuana” (Herrera, 2008: 11)

Otras experiencias directas con relación al  videoclip fueron hechas por la televisión colombiana desde los 60´s y sus programas musicales como “Juventud Moderna”, “Estudio 15” y “El Club Clan”.  Doña Lucero y Don Augusto – mis señores padres- recuerdan haber conocido artistas cómo Vicky, Oscar Golden y Claudia de Colombia, entre otros, gracias a la televisión  y sus programas musicales.

Era la época de “Los Cocacolos”, “Los ye- yés”, y “Los go- gós” movimientos juveniles que nacieron emulando a los jóvenes gringos y que eran influenciados por el cine, la televisión y la radio.  “El programa de los

‘Los Cocalos’ a finales de los 60’s, era reunirse en casa de algún amigo (a), para ver en la televisión nacional ‘Juventud Moderna’ el programa de Alfonso Lizarazo, creado para mostrar los ídolos que había fabricado en su emisora Radio 15” (Trujillo, 1997:…)

La competencia de este programa era el Club Clan  y cómo lo menciona Vicky Trujillo en la investigación sobre la historia del rock en la ciudad “seemitía cutro veces a la semana, en horario triple A [...] allí se bautizaron varios artistas: Billy Pontony a Guillermo García, Vicky a  Esperanza Acevedo, Claudia de Colombia a Gladys Caldas y Oscar Golden a Oscar Osorio”

Pero, esta también era la época de Gonzalo Arango y su combo de “nadaístas”: “Fueron ellos los que hicieron sentir la protesta juvenil en Medellín, pasada la primera mitad del siglo XX. La expresaron desde lo estético, desde las nuevas miradas al cuerpo, a la sexualidad, promoviendo el consumo de marihuana, dejando escuchar abiertamente su posición frente a la Iglesia y el Estado…” (Herrera, 2008: 11)

Ancón y los nadaístas sirvieron de punta de lanza de esas expresiones juveniles musicales yparticularmente de esas bandas de rock y sus diferentes diversificaciones que fueron creando ese circuito contracultural. Con los años, el punk y el metal fueron los sonidos duros que marcaron la música de la ciudad. Estos dos géneros a la hora de hablar a que sonaba Medellín en los 70’s y 80’s son referentes infaltables. Grupos cómo Ensalada de Cerebros, la banda de los Marcianos, Fénix, Sobredosis y Judas en los 70’s; y Nash, Piro, Carbure, Parabellum, Reencarnación, Astaroth, Kraken y Blasfemia en los 80’s.

La creación de Mtv en 1981, la llegada de los Betamax al país que permitieron  grabar y reproducir caseramente lo que emitía la televisión, la creación del canal Teleantioquia el 11 de agosto de 1985 y la entrada de las parabólicas a la ciudad que le posibilitaron   -a algunos- ver más allá de nuestra televisión, fueron circunstancias fundamentales que nos acercaron a los primeros videoclips y también a los primeros programas regionales  que se especializaron en videos musicales y encontraron allí una audiencia juvenil ávida de propuestas cercanas .

“… inaugurados un 18 de enero de 1987, con ‘La Música de Veracruz’.  Primer programa de videos pop-rock en el Canal 5 (cómo se le decía a Teleantioquia en ese momento) {…}Con la uñas se trabajaba en aquel entonces pues para llenar el espacio dominical de 8:00 am. a 9:00 pm., se recurría a los escasos videos promocionales de la disqueras y a los que – con pésimo sonido-, se grababan del programa ‘Night Traks’ del canal TBS, a través de la parabólica {…}Eran tiempos  de colonización visual, gustó tanto éste programa que, además de ser varias veces número uno en el ratings, los padres de familia llamaban a Tito López –presentador del mismo- a felicitarlo, pues era la única hora que sus hijos permanecían en casa… El reinado de Veracruz apenas nacía.  Ese que empezó monopolizando los programas rockeros en nuestro canal en una semana llegó a tener hasta 4 programas de media hora cada uno {…} biografías de artistas, recuentos de éxitos y chismes del pop, fueron algunos de los ingredientes de ‘La Música de Veracruz, ‘El invitado de Veracruz’, ‘Las 10 Máximas’ y ‘Oro Sólido’.  (Trujillo, 1997:…)

El circuito audiovisual además era posibilitado por programas televisivos nacionales que acercaban a los espectadores con los músicos locales que eran entrevistados y  tocaban en vivo, posibilitando así su identificación y logrando la apreciación por el publico de la puesta en escena de las bandas. Programas cómo Espectaculares JES, El Show de Jimmy y El Show de las Estrellas mostraron grupos de la ciudad cómo Nash, Carbure, Fénix y Kraken. Estos se podrían considerar anticipos directos del video musical local por que a la presentación en vivo le sumaban movimientos de cámara, fragmentación de las acciones y efectos especiales.

Claro también en la ciudad, los años 80´s nos traerían otras influencias importantes venidas del cine de  afuera y que fueron apropiadas por jóvenes de la ciudad que fueron creando un circuito a su alrededor:

“… los cine-clubes invaden Medellín. Varios de ellos organizaron ciclos de películas rockeras de las que aún se recuerdan el de ‘Juventud y Nostalgia’,  del cine-club universitario en el teatro Avenida; y el ciclo Cine-Rock de HANSA en el ya desaparecido teatro Tropicana (la 70 x San Juan), allí durante trece sábados de 1981 [...] (se vieron películas cómo)  ‘La canción es la Misma’ (Led Zeppelin), ‘Jesucristo Superstar’ (Ópera rock), ‘La Rosa’ (Janis Joplin). (Trujillo, 1997:…)

También en esta década se realizaron cuatro actividades determinantes en la historia del videoclip en la ciudad. Determinantes porque fueron ejercicios audiovisuales que unieron la música con las imágenes desde lo académico, la realización, la producción y la proyección.

“…  esta década será recordada por la realización, en 1985 del primer festival de videos Rock en el MAMM.  Gracias  a JIV Ltda, la filmación de la película ‘Error de Juventud’ (1985) sobre Rock y drogas, dirigido por Diego Cárdenas Arbeláez [...] también se presentó una serie de películas de Break Dance como ‘Wild Style’, ‘Breakdance’, ‘Electronic Boogalo’ y ‘Beat Street’, que ayudaron al nacimiento del rap en Medellín.  Y la filmación de la controvertida ‘Rodrigo D’ 1986” (Trujillo, 1997: …)

Sobre esta última película, en la ciudad, algunos músicos –sobre todo los punkeros- tienen una malformada idea sobre las intensiones de Víctor Gaviria. La película en ningún momento une directamente a los músicos con el sicariato, esa relación se da de manera indirecta y es por la banda sonora del grupo Mutantex. Además el músico de la película –Ramiro Meneses- en ningún momento roba o mata a alguien, es más, tocaba en un grupo musical.

“a pesar de no contar con el interés de los medios masivos, en la segunda mitad de esta década aparecieron bandas como Kraken, Parabellum, Reencarnación y La pestilencia, las cuales generaron un público fiel y un amplio reconocimiento en los circuitos subterráneos de América Latina y Europa” (Nación Rock: 2008)

Referencias

Omar Urán. (1997). Medellín en vivo: la historia del rock: una aproximación histórica y visual a la escena Rock de la ciudad desde los años 60’s hasta nuestros días. Corporación Región. Medellín.

Nación Rock.(2008). Investigación Ministerio de cultura y Museo Nacional de Colombia.

Diego Alexander Herrera Duque. De nadaíatas, “cocacolos” y hippies, expresiones juveniles en la Medellín de los años sesenta. (2008). Artículo de la Agenda cultural Alma Mater, junio. Edición 144. Pág. 8-11

Música Somos recomienda El Despertar, el nuevo video musical de la agrupación local Tenebrarum, un ejercicio audiovisual altamente onírico, metafórico y conceptual. La factura estética del clip que mezcla la dramática narrativa, el performance musical y el video arte, le da una identidad particular a la banda y a la canción. El video fue realizado por Juan Chinchilla y su Revolver Santos Films.

Por El Hombre KCT

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Cierto día, alguien muy conocedor del audiovisual en la ciudad dijo: -Si el video musical hecho en Medellín no transita por la televisión, se pierde, ahí queda guardado, y así, no sirve-. Sin embargo, esta sentencia que determina las intenciones del video clip como un asunto meramente comercial, desconoce que es más allá de la emisión  televisiva donde el uso de esta herramienta audiovisual tiene múltiples escenarios, posibilidades y prácticas.

Son estos otros espacios de la ciudad como: los museos, los festivales, las programaciones culturales de algunas instituciones, las investigaciones,  la literatura, la escuela,  entre otros; los que a la hora de la verdad, le dan al video clip local esas riquezas y esas dinámicas que posee.

Entonces, es en estos lugares, donde los asistentes pueden encontrar  esos valores estéticos, narrativos, históricos, formativos y reflexivos que trae cada video clip.

Ojos de Asfalto

“Medellín es también una urbe que se construye y se transforma desde sus barrios populares, que se cuenta  y se interpreta a través de otras voces que buscan por sus propios medios y con sus propias formas de expresión contar versiones de la ciudad…”

Este fue el trabajo formativo e investigativo que realizaron Luckas Perro y Ana María Muñoz, un par de antropólogos de la Universidad de Antioquia  que se encargaron de buscar y acompañar esas otras voces, imágenes y ritmos de jóvenes  hoppers de cinco  comunas  de la ciudad, usando el video musical como herramienta pedagógica.

Que mejor manera entonces,  de construir memoria audiovisual de las vivencias ciudadanas  que tejiendo redes y uniendo esfuerzos. Este es el caso del proyecto  “De las Mediaciones Globales a las resignificaciones  Locales; talleres de video clip con jóvenes hip hop en Medellín”, que fue financiado por el Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH) y por el Programa de Memoria y Patrimonio de la Secretaria de Cultura Ciudadana en convenio con el Instituto de Estudios Regionales de la Universidad de Antioquia (INER). El proyecto contó además, con el apoyo de la Corporación Pasolini en Medellín y la Corporación Cultura y Libertad.

El resultado fue Ojos de Asfalto,  una realización audiovisual que  contiene un dvd con cinco video clips, un cd con diez canciones y una especie de librillo muy sollado donde se resume el desarrollo temático del proceso de  investigación.

Para los investigadores del proyecto Ojos de Asfalto “es una muestra de las memorias de estas zonas;  de las felicidades, las exclusiones, las vidas y las muertes que han vivido sus jóvenes habitantes. Es en ellos,  en sus palabras, donde reside una Medellín hermosa y perversa, una “ciudad amada y odiada” que aún le falta volumen para ser escuchada por todos sus habitantes en su profunda complejidad, una ciudad que es cantada, soñada y  trasformada en el beat de las pistas, en el flow de las rimas del hip hop, y en cada disparo… de la cámara”.

Los talleres

La formación audiovisual de los jóvenes hoppers se desarrolló en diez extensas  jornadas en la que se trabajó, entre otros temas, composición clásica de la pintura renacentista y  formas narrativas del cine. Igualmente, en las sesiones audiovisuales se realizaron diálogos alrededor de la memoria, la crítica social y lo underground.

Los talleres permitieron además, según los coordinadores del proyecto, realizar un proceso reflexivo y analítico sobre el lugar y los sentidos de la imagen en la contemporaneidad y sobre los “diálogos” que se establecen entre la cultura hip hop local y la global, donde al final los jóvenes participantes  pudieron traducir sus letras a imágenes.

Para Luis Eduardo Loaiza conocido como El Bruhoo, el haber participado en Ojos de Asfalto fue muy importante porque se entendió todo lo que implica la realización de un video. Así como el encuentro con la imagen de cada uno de ellos: cómo me quiero ver y  mostrar.

Frente a la producción mundial lo más necesario para hacer un buen video clip no es el dinero, sino saber que, para hacer algo bueno y de calidad se necesitan son ganas, dedicación y creatividad afirmó  Mc Blaster de la comuna 1.

Lo más interesante del proyecto  fue que estos jóvenes participaron en todo el proceso de la realización de los videos musicales: idea, guión, producción de campo, dirección, actuación y montaje.

Y los videos qué…?

“No es extraño que una generación que creció en medio de la guerra, tenga este tema como el más recurrente en sus canciones, pero lo que encontramos en sus memorias no es una antología de los conflictos urbanos,  más que una recopilación de hechos, los video clips y las canciones desarrolladas en el proyecto nos muestran una forma de vivirlos…” expresa Luckas Perro, en el librillo que sintetiza la investigación de Ojos de Asfalto.

“Estados” es el nombre del video clip hecho por los pelaos de la comuna 1 que va contando la historia de cuatro personas de  este sector de la ciudad, que al salir de sus casas se van enfrentado a la vida cotidiana.   Ellos van caminando felices, confundidos o sin luz, según su realidad. El  video mezcla la dramática narrativa y el performance musical de los Mcs que aparecen y participan también del relato.

Una tragicomedia que retrata a través de la burla y la ironía,  la evidencia que padecen tantos niños de la ciudad, quienes  nacen, crecen y mueren en medio del conflicto urbano. Este es el tema del ejercicio llamado “Juan Pepito”  realizado por  hoppers de la comuna 8 que hacen una catarsis audiovisual utilizando una historia jocosa y el performance musical.

La poesía audiovisual es otra manera de contar esta ciudad y este es el caso de “Medellín”,  un video clip hecho  desde la comuna 9 que utiliza la metáfora de un ángel que llega a la ciudad, y que después de recorrer sus calles y conocer sus mañas termina encontrando su verdadera pasión que nada tiene que ver con lo celestial: dañar a los demás.  El video que es realizado en blanco y negro refleja esas dos caras de la urbe: hermosa y perversa.

“Hip Hop revolución” es un video que deja claro que a pesar de los prejuicios que se tienen  contra los jóvenes de la ciudad como los principales protagonistas del conflicto armado, ellos escogen la música como salida pacífica y crítica de las guerras. El video cuenta la historia de muchos jóvenes que al parecer tendrán un enfrentamiento violento  en una cancha, pero, lo que termina pasando, en últimas, es un encuentro artístico.

Finalmente, el video musical “31 de mayo” realizado por los participantes de la comuna 13, no da cuenta del conflicto urbano que se vive en esa zona. Ellos, utilizaron el ejercicio audiovisual para hacer un homenaje a las víctimas del deslizamiento de tierra ocurrido en el barrio El Socorro en el 2008. El video utiliza además, metáforas visuales como el niño corriendo con la cometa o la estatua de un ángel en medio de la lluvia.

La posibilidad que tiene el video musical de construir memoria y en este caso, memoria audiovisual de las sonoridades de la ciudad, hace que los clips sean toda una herramienta de comunicación muy potente, y por supuesto, que va más allá de la mera emisióntelevisiva.

Música Somos sigue paso a paso la consolidación de los proyectos de los grupos de Medellín y Colombia, por eso hoy en compañia de los amigos de Tr3sdeCorazón, presentamos el detrás de cámaras del rodaje de su próximo video titulado: Olé, Olé, Olá de su más reciente placa discográfica Quietos Todos. Música Somos TODOS.

Música Somos recomienda Aerosoles, el nuevo video clip de la agrupación de Reggae Providencia que nos llena la retina de vibraciones y conciencia. Un pertinente, relevante y sollado ejercicio audiovisual producido por Locomotora. Este video ratifica la evolución del video musical en la ciudad de Medellín en estos 22 años de historia. Un video donde prima la idea y el concepto sobre la representación.

“Agitando corazones contra la opresión…”

Música Somos Recomienda Mr. Disco, el nuevo video de la banda Mr. Bleat, el cual muestra un avance interesante en la realización independiente de videoclips en la ciudad de Medellín, por su estética, su narrativa y su capacidad de enganche a quien lo ve por primera vez. Además de recomendar el video, recomendamos fielmente el trabajo de Mr. Bleat por su sonido sugerente y oxigenante para la escena musical de la ciudad.

Música Somos VIDA MUSICAL

Por El Hombre KCT

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El video clip es la música que entra por los ojos. En otras palabras, es un lenguaje audiovisual que articula dos artes en la misma pieza. Utiliza la fuerza del sonido musical y utiliza la potencia de las imágenes, que se unen y estimulan sensorialmente a una persona: a partir del oído y de la vista.

La fuerza del sonido musical se refiere a que,  por sí sola, la música crea unas imágenes, unos recuerdos, unos estados anímicos, o la mezcla de estos, en el oyente. Esas visualizaciones salen del universo mental que cada sujeto a construido durante su vida.

Se podría decir, entonces,  que la  esencia en el  video clip es la  música con sus ritmos, sus palabras, sus estados de ánimo, y, que de su forma o identidad se encarga la representación visual con sus personajes, sus narrativas, sus músicos,  sus contextos, sus colores, sus líneas, sus formas, sus texturas, sus imágenes y sus movimientos de cámara.

Sin embargo,  hay un  asunto en la contundencia de la imagen o de las imágenes,  y es en el sentido lingüístico, “toda imagen tiene un sentido” decía el profesor de cultura icnográfica, es decir, en muchos casos: pretenden hacernos  saber algo. Es en esa representación donde se envían unos códigos y  unos símbolos a unas personas que hacen lectura de eso y eso también es esencial en el video clip.

Por eso cuando vamos a hablar de música e imágenes juntas (identidad), hay que añadir el elemento que posibilita esta unión: la tecnología electrónica. Y ¡magia!  Aparece  el video clip. Aquí podemos hacer una analogía con la tradición católica: en el video clip, música-imagen-tecnología son una sola cosa, una cosa indivisible. Padre, hijo y espíritu santo: Una cosa que no puede andar sin las otras dos.

Sin embargo, no podemos caer en el lugar común de decir que el video clip es únicamente esa cuestión de música, tecnología e imágenes juntas, pues estaríamos cayendo en dogmatismos y el video clip, rompe y transgrede, en  muchos casos, los dogmatismos, las  reglas y las normas. Está triada entonces, se convierte en la base del video musical y es de ella que se desprenden los elementos que enriquecen expresiva y narrativamente al video clip.

El video clip se puede presentar a nuestros ojos de varias formas y maneras, es así, como aparecen unas categorías en las que lo podemos clasificar. Por un lado, el video musical se presenta como Performance Musical en donde el grupo entona la canción en diferentes escenarios (en un estudio, en la calle, en el campo, ensayando  o en un concierto, etc). Por otro lado también, el video clip se presenta en forma de historias  -algunos lo llaman Dramática Narrativa- es decir, hay unas premisas dramáticas que representan literalmente, simbólicamente o sin ninguna relación, la letra de la canción; este tipo de videos son los que nos van mostrando historias a su interior. También,  el video musical puede llegar a nuestros ojos en forma de imágenes abstractas o simbólicas, cargadas de ideas, emociones y significados -algunos llaman a este tipo de video clips, Video Arte- es decir, el  clip se nos presenta a través de líneas, formas, texturas, colores, escenografías, puestas en escena, fotografías, animaciones, entre otras representaciones.

A su vez, los videoclips mezclan y combinan estas categorías. Es decir, existen muchos videos con Dramática Narrativa en el que también, el grupo sale cantando la canción en Performance Musical,  u otro video, que de manera simbólica puede ir cantando la canción y contando una historia. Por eso,  el video clip es un dispositivo que permite articular dos o  más artes en una misma pieza. Permite una interpretación o lectura de las sonoridades de la canción en forma figurativa, simbólica, abstracta, literal o narrativa.

La lectura de las sonoridades de una canción: eso es el video clip.  Pero, estas sonoridades no son únicamente la letra, la lectura de una canción tiene que ver también con el entorno sonoro que la compone. Eso de ritmos, melodías, sonidos, ruidos, punteos, riffs, tambores, charles, crass, vientos, redondas, negras y corcheas;  todo un universo musical que también es vital, al lado de la letra, a la hora de hacer video clips.

Es por eso que en muchos videoclips hay otras dinámicas que operan más  allá del querer comercializar a  un grupo o una canción, pues en estos videos prima la idea y el concepto sobre la representación y esto nos pone en las orillas de la experimentación, la búsqueda y  la creación de mundos dentro de la pantalla. Del arte…

Por El Hombre Kct

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“Tal vez aquellos códigos secretos que rigen las dinámicas urbanas son las que trazan la línea narrativa y oculta que une a millares de imágenes fragmentarias arbitrariamente superpuestas y que constituyen esta ciudad videoclip” Catalina Arango

El video clip de Medellín hecho entre 1988 a 2008, por los grupos de Rock y Hip-Hop, ha sido un continuo proceso de evolución, decadencia y construcción audiovisual. Proceso que tiene por sinónimos la independencia, la creatividad, la recursividad, la pertinencia y la relevancia, pero también la irrelevancia y la impertinencia de realizadores y músicos de la ciudad.

En la ciudad el video clip es mezcla de canciones, de ritmos, de performances, de historias y de arte. Asimismo es mezcla de cámaras, equipos de edición, músicos, realizadores, productoras, colectivos, personajes, locaciones, camarógrafos, editores, luminotécnicos; y es esa mixtura, la que ha logrado videos musicales: ágiles, paralelos, secuenciales, dinámicos, atractivos, complementarios, simbólicos, reflexivos, animados, dogmáticos, clichés, literales, artísticos, graciosos, experimentales y urbanos.

Me atrevo a decir – y mis ojos y mis oídos lo confirman- que por aquí muchos video clips han sido bacanos (cómo el de Trópico Esmeralda con su sátira al acto compulsivo del zapping televisivo), soyados (cómo Ojos Enfermos de Bajo Tierra con sus personajes y su locación en pleno Guayaquil), locos (cómo el de Awake y su fragmentación dentro del mismo plano sin resquebrajar la línea narrativa), rayados (cómo el de Ghava con su recreación de la publicidad callejera al son de la música), bonitos (cómo Nada de Estados Alterados hecho en cine, en plano secuencia y en Santa Elena), charros (cómo Calavera de los Insectos con su cortometraje de un niño problema), reflexivos (cómo el de Wolfaine que refleja la historia de su infancia caótica al lado de un padre alcohólico y violento ), urbanos (cómo el de la Bellavista Social Club y su caminata nocturna por la calle San Juan y sus venenos), experimentales (cómo el de Perseo que superpone imágenes en un telón al mejor estilo de Peter Campus), y la lista continua entre muchísimos, muchísimos, otros videos.

Medellín no es una ciudad ajena a la paradoja que trae el video clip a sus espaldas: o, hay unas intenciones de promocionar al artista músico o, hay unas intenciones de expresión artística, o, hay una mezcla de ambas. En todo caso este dispositivo cultural ha creado sus narrativas, sus estéticas particulares, ha representado contextos sociales y ha permitido identificar y referenciar a los músicos y sus músicas, en estos 20 años de historia.

“… la ciudad se recorta y se pega continuamente, construyendo para sí y sobre sí una realidad distinta cada día. Frente a un territorio desconocido, el ser urbano dibuja, recorta, rasga, pega, despega y recorre múltiples paisajes delimitando trayectos infinitos que se entrelaza, se chocan se exhiben. Cada esquina, rincón, plaza y calle están marcados por trazos, recortes, luces o figuras que se mezclan y embadurnan las unas a las otras, y la obra urbana nunca termina y jamás tendrá un lenguaje que pueda definir los significados ni los cruces” (Arango, 2003:17)

La historia del video musical en Medellín en estos 20 años, ha sido una continua construcción de estéticas, identidades, lenguajes y escenarios. La unión de esfuerzos y saberes han permitido que el video clip sea plataforma y vehiculó de la música hecha en la ciudad. Desde hace algunos años, ciertas personas de la ciudad se dedicaron cómo ‘opción de vida’ al video clip. Y, para muchos músicos, el video clip es pieza fundamental en sus proyectos. Lo hacen, porque potencia el mensaje al posibilitar alrededor de la canción: la creación de un mundo. Pero también en la ciudad, el video musical de Rock y Hip-Hop ha estado supeditado a la aparición o a la ausencia de circuitos, escenarios y otros usos. Son estos elementos y muchos más, los que han posibilitado en Medellín muy buenas piezas audiovisuales en los que “la creatividad y recursividad han sido elementos salvadores a la hora de hacerlos” (Trujillo, 1997:45)

Referencias
Arango Patiño, Catalina. (2003) Comunicación estereofónica y ciudad. Editorial-Librería Universidad Pontificia Bolivariana

Omar Urán. (1997). Medellín en vivo: la historia del rock: una aproximación histórica y visual a la escena Rock de la ciudad desde los años 60’s hasta nuestros días. Corporación Región. Medellín.

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pipeska1983@yahoo.es

El video clip es el hijo del matrimonio de la música, el cine y las vanguardias artísticas del siglo XX con la tecnología electrónica, sin embargo desde antes se estaba pensando en términos de la relación imagen, representación y música.

La Ópera: Drama y música, un video clip

El ejercicio audiovisual, eso  de querer estimular a través de los sentidos de la vista  y el oído  -para Mauricio Velásquez investigador y gomoso del video clip- viene de la opera: Mozart, Beethoven, Rossini. Gente que,  de alguna manera, ya estaba haciendo unas escrituras muiscales con unas premisas dramáticas, con unas acciones y unos personajes que se montaban, según él, en términos  “operísticos y de representación”.

La música que se deja ver a través de los ojos tiene, en sus inicios,  una primera etapa en estas representaciones artísticas. La Ópera como lenguaje dramático y sobre todo como  performance musical, ya que, representaba en historias y personajes la música y las letras de  una canción.

Don Ludwig Van Beethoven, era sordo cuando realizó la Missa solemnis, Fidelio (su única Ópera) y las Sinfonías. Se preguntaran ustedes como “carajos” hizo, y la respuesta simple:  Compuso bajo un influjo de imágenes, de sensaciones,  de emociones y de anécdotas. Don Ludwig Van, componía para piano, orquesta, violín, violonchelo es decir, recreaba de manera pomposa y visual sus sonatas, cantatas, misas, oberturas  y sobre todo las sinfonías.

Vale decir que la Ópera recreaba todo el arte de la representación dramática que tuvo su origen en Grecia. Por aquel entonces, la Ópera, era en esencia el ejercicio de mezclar drama y música.

La magia de la imagen en moviemiento

La segunda etapa del video llega con la incorporación de la imagen en movimiento, mecánicamente capturada por el hombre, y nace básicamente como un experimento científico demostrativo:

“Cuando Eadweard Muybridge, un fotógrafo y también investigador,  se da la tarea de participar en una apuesta de dos grandes empresarios en Estados Unidos, hace una secuencia de 12 fotografías para ver en que momento el caballo levantaba  las 4  patas al galope.  Ahí se percibe que se puede generar imagen en movimiento a partir de la fotografía [...] A partir de eso, al lado y lado del Océano Atlántico, los hermanos  Lumiere en 1895 (Europa) con el cinematógrafo y Thomas Alba Edison en 1893 (Estados Unidos)  con el Kinetoscopio, obtienen las bases en términos industriales, para hacer lo que hoy conocemos como: cine”  (Velásquez:2007)

Estas personas comenzaron a concebir, a partir de cierto número de cuadros, cómo generar movimiento, gracias a algo que posee el ser humano: la persistencia retiniana.

Comienza el siglo XX y el cine avanza en historias, personajes, contextos, y por supuesto en sus lenguajes. Por ejemplo Georges Méliès ya en 1902 estaba haciendo trucajes, experimentos y efectos con la imagen.

El sonido: de artificio mediático a vehículo de comunicación

No obstante en ese entonces, no existía el sonido tal y como lo conocemos hoy en las películas (voz, banda sonora, efectos). Básicamente, se acompañaba las películas con música de cámara  y textos (pantallazo) para aumentar las sensaciones, también para darles un hilo conductor, pero sobre todo para evitar la “bullaranga” de esa “locutora audiovisual” llamada  Kinetoscopio o cinematógrafo, dependiendo del lado del charco en que se pare.

El ejercicio es imaginar el año 1900 y  una sala con 20 ó 25 personas viendo imágenes en una pantalla y una locomotora atrás haciendo un ruido como si los fuera aplastar. Entonces recurrieron a un artificio mediático, la música de cámara: cuartetos de bronces, de cobres y popurrís de Charleston.

Y es en 1926 y 1927 cuando aparecen unas películas muy significativas para la unión: música-tecnología-identidad. Fueron Don Juan y el Cantante de Jazz, las dos películas de Alan Crosland. Éstas se convierten, no solo en las primeras películas sonoras, sino como dice Mauricio Velásquez, en los primeros  video clips. Y para nosotros, en  otro momento histórico que se posibilitó gracias a la tecnología:  “sincronizar imagen y sonido con el sistema Vitaphone” (Sedeño, 2004:26).  Además, los grandes directores de cine empiezan a notar  que “la música juega un papel emotivo, lúdico y afectivo muy importante” (Velásquez:2007).

“El cantante de Jazz.  Una película amparada en los entretenimientos de Broodway. Puro y físico entretenimiento teatral. Una òpera cantada, si se quiere. Un espectáculo teatral llevado al cine pero que tenía la posibilidad de ser filmada. El Cantante de Jazz repercutió de una manera total en la manera que tiene la gente de percibir sus músicos, sus músicas y sobre todo de seguirse maravillando con el cine” (Velásquez:2007)

Vemos la importancia de la música y las imágenes juntas, por ejemplo, las películas dramáticas o de suspenso en ciertos pasajes necesitan para impulsar la fuerza de la escena unas oberturas o unos segmentos sinfónicos que acompañan con las imágenes esos momentos,  sentimientos y contextos que rodean el film.

Las vanguardias artísticas y sus experimentos y creaciones

Sin embargo, antes de estas dos películas, algunos cineastas de vanguardias europeas hicieron las primeras obras de música visual: el pintor dadaísta Viking Eggeling, también Hans Ritcher, Walther Ruttman y Oskar Fischinger quienes desearon según las palabras del teórico Jean Mitry: “liberar a la imagen de su poder de representar -y consiguientemente de significar por sí misma, para resolver el problema del ritmo visual puro- y todo gracias a la música” (Sedeño, 2004:29).

Obras como: Sinfonía Diagonal de Viking Eggeling en 1924, Rhythmus 21 de Hans Ritcher en 1921, Berlín Sinfonía de una gran ciudad de Walther Ruttman en 1927 y Allegretto de Oskar Fischinger (principios años veinte), fueron algunas de las  primeros experimentos y creaciones que unieron música e imagen en una misma obra.

Las características de estas obras músico-visuales eran la abstracción, el experimento, la investigación y la búsqueda. Utilizando elementos como las formas de líneas diagonales o espirales,  que aparecen y desaparecen  en sincronía y concordancia con la música, en una especie de baile, en una especie de sinfonía. (Sinfonía Diagonal)

Otra característica de estas películas que va influenciar el video musical es  el corte o el cambio de imagen, estos eran fragmentos que viajaban en algunos momentos incidentales y en otros sinestesicos en los  que la música originaba  la imagen o viceversa. (Berlín, Sinfonía de una gran ciudad)

“Walter Ruttman… cuyo trabajo disfrutó del respeto del público masivo, dirigió la obra maestra Berlín, Sinfonía de una gran ciudad en 1927, con imágenes que pretendían describir la experiencia rítmica de la vida de una gran ciudad en diferente momentos del día” (Sedeño, 2004:29)

Y es que las vanguardias artísticas del surrealismo, el dadaísmo, el futurismo y el cubismo, influyeron en la construcción y evolución de la relación armónica o disonante de la música y la imagen, con investigaciones, creaciones y propuestas.

Por ejemplo, “el surrealismo aportó la arbitrariedad del subconsciente, las técnicas de yuxtaposición, de asociación libre de imágenes y subversión de lo narrativo…” (Sedeño, 204:32). En el Perro Andaluz de Luis Buñuel y Salvador Dalí, hecha en 1929, se pueden ver como aparecen referencias al mundo onírico y al mundo delirante. Si uno busca una narrativa o una secuencia lineal de una historia, eso de principio, desarrollo y fin, posiblemente no la va encontrar en las vanguardias. La música opera como plataforma de conexión para un ritmo visual confuso, desordenado e incoherente.

Refiriéndose a las vanguardias artísticas del siglo XX -Paolo Villalba docente e investigador de lenguajes audiovisuales- dice: “Las estéticas de las vanguardias artísticas se interesan por darle otros sentidos a las imágenes, en el sentido de hacer representaciones con alto sentido simbólico y metafórico. Podríamos llamarla poesía cinematográfica, pues estas vanguardias le van a dar más importancia al plano que al montaje… Algunos directores le arrojaban jugo limón, tierra y cucarachas para crear efectos, y así la imagen se iba deteriorando y ensuciando” (2008).

Los movimientos de vanguardia de los años cincuenta, sesenta y setenta (el fluxus, el happening, el cine Underground, el op art, el pop art, el arte objetual, entre otros) continuaron las investigaciones, los experimentos y las propuestas en su búsqueda de unir, amalgamar, fragmentar, yuxtaponer, interactuar, complementar y sincronizar: la música y las imágenes.

Conceptos de Montaje

Hay un personaje vital que no debemos dejar pasar y es, Sergei Mikhailovich Eisenstein que trabajó, pensó y creó términos como: montaje polifónico o contrapuntístico, métrico, rítmico, armónico, melódico. Precedentes conceptuales -como dice Ana Sedeño en la revista Lápiz Volumen 23 (2004)- de las modalidades audiovisuales, y entre ellas el video clip.

Algunas de sus películas son: El diario de Glúmov (1923) , La huelga (1924) , El acorazado Potemkin (1925) , Octubre (1927) y La línea general (1929). En sus obras sonido e imagen marchan en paralelo, por ejemplo en la declaración sobre cine sonoro, Eisenstein y otros personajes, dicen: “ la banda sonora debe ser contrapuntística, es decir, que ofreciera una aguda disonancia con la imagen visual”(Sedeño, 2004:30).

Uhhh… lo último en guarach

En Estados Unidos, en los años cuarenta, aparecieron unos proyectores con altavoces y pantallas en los que se mostraban la actuación de los cantantes en conciertos o en escenas que consistían básicamente en el play back de la canción y ellos cantando en alguna calle o estudio decorado, aunque, el baile era una de sus facetas más llamativas. Estos aparatos, que fueron un gran fenómeno, se llamaban soundies o jukebox visuales y se encontraban en hoteles y bares. Las grandes leyendas del Jazz, el Swing y el Bebop los utilizaron y les sacaron provecho. Este fue otro acercamiento de la música, la tecnología y la identidad. Sin embargo, “desaparecieron con la televisión” (Sedeño, 2004:32).

En los años sesenta, al otro lado del Atlántico, en Francia, a la versión evolucionada de los jukebox visuales, se les llamó Scopitones. Y según Sedeño, estos fueron unos antecesores directos del video musical, pues no eran únicamente performances musicales en los que se actuaba en mímica la canción. En otras palabras, había una puesta en escena y unas estéticas particulares con unas intensiones artísticas diversas. Otra característica importante de los Scopitones era el color y el formato de 16 mm, además el sonido era magnético.

El feeling, el sabor, el espíritu

La aparición de la música Rock y su masificaciòn por la radio y la televisión, son otro momento histórico en el video clip y principalmente gracias al cine con sus películas musicales, que fueron nutriendo al público de referentes no sólo musicales sino también de identidad y de modelos a seguir.

Por ejemplo Elvis Presley grabó más de veinticinco películas musicales. “Películas en las que había una historia, pero la esencia era el performance musical y proveer al espectador de una estética particular de un individuo que ha sido reconocido como un mercader de música”, dice Mauricio Velásquez (2007). Una de las películas más famosa fue Jailhouse Rock dirigida por Richard Torpe en 1957.

Por su parte la revista Lápiz en el articulo Antecedentes artísticos del video clip registra el hecho de Elvis y su relación directa con el cine: “en él se fraguo el mito de la rebelión juvenil, la violencia y la desmotivación vital ligadas al rock… Elvis fue el primer cantante de rock cuya imagen era tan importante como su voz y su música” (Sedeño, 2004:34)

De ahí en adelante, el género influenció a generaciones de jóvenes que veían en estos artistas rockeros, estereotipos sociales a imitar: La ropa, los accesorios la actitud frente a la sociedad conservadora. “Los 60’s traerían también otras películas rockeras como  ‘los astronautas del ritmo’ (Herman Hermits), ‘todo está muy bien’ (Jerry and the Pace makers) y  ‘Fly High’ – en donde por primera vez se fumó marihuana en un espacio público” (Trujillo, 1997:42)

Es en 1964 cuando los Beatles visitan Estados Unidos, que este tipo de experiencias sonoras y visuales  “explotan” mundialmente a los artistas.  Ellos en su viaje traían a Richard Lester, que lo que hizo fue grabar y grabar a los Beatles de manera espontánea,   y según Sedeño de la revista Lápiz y Mauricio Velásquez, esta experiencia posibilitó la ruptura que se traía con las  películas musicales:

“Hard Day’s Night, hito en la historia del cine musical por la relevancia de  sus innovaciones formales: cámara lenta, utilización de máscaras, mezcla de material documental y de ficción, alternancia de diálogos e interrupciones musicales…la ruptura de convenciones espaciotemporales, los continuos saltos de acción, el escaso respeto por cualquier tipo de raccord, la espontaneidad documental de la puesta en escena… ” (Sedeño, 2004:34)

“Está película muy emotiva, podría ser no solo, el anticipo total del video clip, sino de  la televisión real o reality show como lo conocemos hoy” (Velásquez:2007) .

Y la tv qué?

Desde 1956 en Inglaterra y en Estados Unidos, programas televisivos  como 6,5 Special,  The Ed Sullivan Show , American Bandstand, Top of the pops entre otros, se encargaron de mostrar a los cantantes actuando ante las masas, algo así, como hizo y hace, el  Show de las Estrellas o  El show de Jorge Barón en Colombia, mostrando artistas como Viky o Jhony Rivera y otras estrellas internacionales.

El videoarte

Sin embargo es otro experimento sobre el mismo dispositivo, el  que logra, la concreción del video como dispositivo cultural.  Es en 1965 y gracias Nam June Paik que adquiere una cámara:  La Portapack CV de la Sony. Una cámara que ofrecía la promesa de poder grabar y reproducir instantáneamente, era la polaroid del cine, o sea usted graba y ya. Ahí nace el video como creación, nace el videoarte, pues Paik (artista del movimiento Fluxus y músico) lo que hace es grabar  un viaje en taxi y exponerlo en el “Café Au GO-GO” y la galería Bonino de Greenwich Village”. La obra se llama Electronic Video Recorder (the combination of Electronic Television and Video Tape Recorder).

Para la revista Lápiz en su volumen 23 del 2004, este hecho es importante porque: “el video se convirtió en el soporte más adecuado para la creación y la experimentación en un campo multidisciplinar formado por artísticas procedentes de la pintura, la música, la escultura, el teatro y la performance”.

Siguen los films musicales

Paralelamente terminando la década de los sesentas  la gente sigue haciendo películas musicales pero de otro tipo.  Otra persona para no perder de vista es Barbet Schoeder -el director de la virgen de los sicarios -  que en 1967,  hace  su primera película con Pink Floyd llamada More. Película musical.  Este tipo de películas tienen una ebullición muy importante en los 70’s  porque:

“en los años sesenta el rock cambió decisivamente y adquirió una cierta propensión hacia posturas radicales y decadentes… películas como: Performances (1970) con Mick Jagger; dramas rock como Quadrophenia (1979) sobre  la lucha de las tribus urbanas; óperas- rock como Tommy (1975) con The Who, o Jesus- Cristh Superstar (1972)… (y) otros musicales tomaron la forma de filmaciones de conciertos, como Woodstoock (1970) ” (Sedeño, 2004:35)

Las investigaciones, los experimentos, las creaciones, las búsquedas y porque no decirlo los accidentes en la música, el cine, las vanguardias artísticas del siglo XX y la tecnología electrónica, posibilitaron el nacimiento del video clip:  -música, tecnología e identidad-  Otorgándole los elementos expresivos, narrativos, artísticos, técnicos y por supuesto comerciales.

Referencias

• Antecedentes artísticos del videoclip. (2004). Artículo de la revista Lápiz. Vol 23 #203 Pág. 24-39. Ana María Sedeño Valdellós
• ENTREVISTA con Mauricio Velásquez, investigador del videoclip en la ciudad. Medellín, 8 de octubre de 2007 .
• ENTREVISTA con Paolo Villalba. Docente e investigador en lenguajes audiovisuales. Medellín, 15 de mayo de 2008.
• Omar Urán. (1997). Medellín en vivo: la historia del rock: una aproximación historica y visual a la escena Rock de la ciudad desde los años 60’s hasta nuestros días. Corporación Región. Medellín.

Suramerican Roots, este joven pero talentoso grupo con su propuesta generada desde el Hip-Hop Reggae, estrena su nuevo video de la canción Entre Sueños grabado en las calles de Manrique Oriental. Próximamente pasarán por los micrófonos de Música Somos para contar su historia. Para más información http://www.myspace.com/suramericanroots o www.musicasomos.net  ¡Porque Música Somos Todos!